{"title":"Œuvres d'art | Art contemporain : peinture, photographie, sculpture","description":"\u003cp class=\"p1\"\u003eArt Dispatch Paris met en avant des œuvres d’art uniques et des objets artistiques originaux, sélectionnés avec soin auprès d’artistes émergents et confirmés. Chaque création reflète l’innovation, l’émotion et l’audace qui caractérisent la scène artistique contemporaine.\u003c\/p\u003e\n\u003cp class=\"p1\"\u003eNous vous invitons à découvrir une collection pensée pour les amateurs d’art, les collectionneurs et les passionnés de design. Les œuvres disponibles sur notre site sont présentées avec des visuels de qualité et des descriptions détaillées, afin de vous guider dans vos choix.\u003c\/p\u003e\n\u003cp class=\"p1\"\u003eAvec Art Dispatch Paris, acheter de l’art en ligne devient une expérience simple et inspirante. Grâce à une navigation claire et sécurisée, vous pouvez explorer, comparer et acquérir des pièces originales qui donneront caractère et authenticité à vos espaces.\u003c\/p\u003e\n\u003cp class=\"p1\"\u003ePlongez dans un univers où créativité et modernité se rencontrent. Notre objectif est de rapprocher les artistes de leur public et de rendre l’art contemporain accessible à tous.\u003c\/p\u003e","products":[{"product_id":"joris-brantuas-peu-importe-dentree","title":"Joris Brantuas : Peu importe d'entrée","description":"\u003ch2\u003eJoris Brantuas\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eTechnique mixte sur toile, année 2024\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eLa biographie de Joris Brantuas \u003c\/h3\u003e\n\u003cp style=\"text-align: left;\"\u003eJoris Brantuas est un artiste du jaillissement, du débordement et de la célébration dans une exacte imprécision jubilatoire ; un artiste « plein de vie » pour reprendre les mots de John Fante. Car c’est bien cela qui transpire à chaque fois qu’une œuvre s’invite dans notre environnement. La vie dans son entêtante présence, contre toute attente, irrémédiablement là, à nos côtés ; dans des hangars, dans la rue, dans des salles d’exposition, sur une voiture…\u003c\/p\u003e\n\u003cp style=\"text-align: left;\"\u003e\u003cbr\u003eTout dans la peinture de l’artiste nous ramène à la vie, depuis les matériaux qui la constituent. C’est-à-dire depuis les kilomètres de tissus qu’il achète sur les marchés pour servir de support et de fonds à ses œuvres, jusqu’aux tasseaux de bois qu’il assemble pour construire des châssis ou encore jusqu’aux mots et aux signes qui peuplent les toiles, semblant tout droit sortis de nos échanges de sms ou des messages que nous nous écrivons sur Facebook, Instagram, X et autres réseaux sociaux. Les cœurs et les étoiles y partagent l’espace avec des Je t’aime, F**K Art Let’s dance et autres gentillYES, dans une version aussi artisanale que vertigineuse du métaverse globalisé façon Do it yourself punk.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e","brand":"Joris Brantuas","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":51095782261075,"sku":"","price":4431.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0959\/1776\/9043\/files\/joris-brantuas-2025-peu-importe-d-entree.webp?v=1766972829"},{"product_id":"emilie-bitauld-untitled-25-serie-petits-papiers","title":"Emilie Bitauld : Untitled 25 - Série Petits Papiers","description":"\u003ch2\u003eEmilie Bitauld\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eAcrylique, pastels à l'huile \u0026amp; feutres indélébiles sur toile, format 15,5 x 76,5 cm, année 2015.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eLa série Petits papiers\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003ePetits papiers est une série sur toiles et papier qui met la sensualité à l’épreuve de la toile, la met en demeure de composer les mouvements qui pourront initier le processus créateur, l’initier seulement : la toile - c’est l’un des grands principes de l’art contemporain, et il est manifestement cher à Émilie Bitauld - se fait d’elle-même. Elle reprend ainsi au compte du peintre au travail le mot mystérieux et limpide de Wittgenstein selon lequel “On doit toujours être prêt à apprendre quelque chose de totalement nouveau” (Remarques sur les couleurs, III, 45.). \u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cem\u003eJeremy D. Collot-Rosoux\u003c\/em\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eLa biographie d'Émilie Bitauld\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eEmilie Bitauld est née en Bretagne en 1979 ; elle est actuellement basée à Paris.\u003cbr\u003eAprès avoir étudié à la Sorbonne et aux Beaux-arts, elle s’est spécialisée dans l'ingénierie de projets culturels et le développement international. Depuis 2014, elle se consacre à plein temps à la pratique artistique. Elle a exposé en France et à l'étranger. Les sujets qui l’occupent intègrent un regard de type philosophique et anthropologique, tout en opérant la jonction entre art et sciences. \"La remise en cause de certitudes et le doute syncrétique y prédominent. Entrelaçant peinture, écriture, photographie, collage, performance \u0026amp; installation, Emilie Bitauld fait le choix artistique d'un \"tout\" qui cherche à abolir les frontières géographiques et artistiques.\"\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cem\u003eRomain d'Ignazio (commissaire d'expositions \u0026amp; rédacteur en chef d'Art Croissance)\u003c\/em\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"Émilie Biltauld","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":51095816438099,"sku":"","price":1529.75,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0959\/1776\/9043\/files\/emilie-bitauld-serie-petits-papiers-155x765-untitled25.webp?v=1766972832"},{"product_id":"joris-brantuas-en-route-pour-la-route","title":"Joris Brantuas : En route pour la route","description":"\u003ch2\u003eJoris Brantuas\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eTechnique mixte sur toile, année 2024\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eLa biographie de Joris Brantuas\u003c\/h3\u003e\n\u003cp style=\"text-align: left;\"\u003eJoris Brantuas est un artiste du jaillissement, du débordement et de la célébration dans une exacte imprécision jubilatoire ; un artiste « plein de vie » pour reprendre les mots de John Fante. 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Il effectue aussi une recherche sur des travaux plus brut, animation de sable, peinture, encres et scratchs sur pellicules, pixilation etc. Il a réalisé aussi plusieurs sculptures monumentales, dont une pour la ville de Paris. Il travaille entre Paris et Nice\u003c\/p\u003e\n\u003cp align=\"left\"\u003eSérie diffusée sur ARTE dans Court-circuit : La leçon du Professeur Kouro\u003cbr\u003eTrois DVD sont disponibles : La leçon du Professeur Kouro( arte \/ Les FAELL Canal plus \/\u003cbr\u003eKamasutra en Patamod (Arte Éditions). Deux livres viennent d’être édité Les TAS c’est moi (Edition Nunc) et Les TAS de Kouro (Editions La lucarne de l’écrivain). Un travail très contemporain. Ready made de sculptures photographiques et poétiques. Actuellement sa recherche a évolué sur un autre terrain artistique, la création de Vortex psychédéliques dessinés aux crayons de couleur ainsi que des travaux en peinture à l’huile numérisée, ainsi qu’une recherche sonore cosmique improvisée.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e","brand":"Lyonel Kouro","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":51181478838611,"sku":"","price":422.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0959\/1776\/9043\/files\/lyonel-kouro-sergent-pepper-psyche-tirage-1-sur-10-encre-sur-papier-30-sur-40.webp?v=1766972832"},{"product_id":"petrus-von-tricht-zero","title":"Petrus Von Tricht : Zero","description":"\u003ch2\u003ePetrus Von Tricht \u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003ePeinture acrylique et marqueur sur bois, format 47X55cm, année 2023.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eLa biographie de Petrus Von Tricht\u003c\/h3\u003e\n\u003cp style=\"text-align: left;\"\u003e\"Je suis née en Suisse en 1982 au sein d'une famille fantasque et amoureuse des mots. Ma grand-mère est la romancière féministe Régine Deforges. Elle m' a transmis un certain goût de la transgression et de la liberté d'expression. La nudité a toujours été simple, le rapport au corps sans tabous . J'ai su très tôt que l'image serait mon médium de prédilection. Passionnée de cinéma, c'est à travers ce prisme que j'ai découvert la photographie. Avançant seule dans cette nouvelle discipline, j'explore l'autoportrait. Le besoin de capter les autres corps dans ce qu’ils ont de plus brut et déséquilibré s’est rapidement imposé à moi. Mon combat consiste désormais à mettre en lumière la diversité de ces corps et la complexité de nos zones grises. \u003cbr\u003eJ'ai amorcé en 2024 une nouvelle série sur la photo post mortem. \"\u003c\/p\u003e","brand":"Petrus Von Tricht","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":51181644710227,"sku":"","price":844.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0959\/1776\/9043\/files\/petrus-von-tricht-2023-zero-peinture-acrylique-et-marqueur-sur-bois.webp?v=1766972832"},{"product_id":"elisabette-zelaya","title":"Elisabette Zelaya : Cortex","description":"\u003ch2\u003eElisabette Zelaya\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eBroderie de perles et sequin sur radiographie de cerveau, année 2023-2024. \u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eLa biographie d'Elisabette Zelaya\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eLorsque l’on rentre dans la danse on glisse, on feinte, on s’arrête pour glisser à Nouveau, parfois c ‘est lourd, parfois c’est fluide parfois c’est dur. La chaussure vient Amplifier le mouvement, distordre le son faire un canon. Il suffît parfois de se laisser Porter, transporter, transcender. Alors on se cherche un dieu qui parfois est à côté de sa fenêtre et qu’il suffit d’ouvrir. .. Mon travail prolifique parle de l’humain, du corps,  de la danse du déplacement qui est aussi une sorte de danse mais aussi de la culture de la religion de la guerre du rapport à l’enfance. Je travaille à partir d’objets mis au rebus pour en faire des objets de culture. J'aime aussi a travailler les odeurs que je concocte en potions parfois repoussante parfois magique mais qui ne laisse personne indifférent. \u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e","brand":"Elisabette Zelaya","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":51181662601555,"sku":"","price":411.45,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0959\/1776\/9043\/files\/elisabette-zelaya-2023-2024-cortex-broderie-de-perles-et-sequin-sur-radiographie-de-cerveau.webp?v=1766972833"},{"product_id":"vanda-spengler-enchevetrements","title":"Vanda Spengler : Enchevêtrements","description":"\u003ch2\u003eVanda Spengler \u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003ePhotographie tirage Fine Art, format 20x30, année 2022. \u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eLa biographie de Vanda Spengler\u003c\/h3\u003e\n\u003cp style=\"text-align: left;\"\u003e\"Je suis née en Suisse en 1982 au sein d'une famille fantasque et amoureuse des mots. 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Depuis 2010, elle développe, à Paris, une œuvre aux notes abstraites, inspirée par l’art contemporain. « Le 8e art a bouleversé ma vie. Il me permet de toucher à la profondeur des choses. J’aime arrêter des moments pour m’y plonger, laisser des traces, me laisser transporter par le flux de l’existence, capturer l’humain, la société, le vide, les rencontres qui m’entourent. La réalité qui est cruelle et douce à la fois… », raconte-t-elle. Privilégiant une approche symbolique, l’autrice fait dialoguer portraits, paysages, minimalisme et expressionnisme afin de « transcender le réel pour mieux le comprendre ». Inspirée par les créations de Basquiat, Nan Goldin, Sylvia Plath ou encore Antoine D’Agata, elle fait dialoguer vide et bruit, étreintes et solitude pour « donner à voir la vie pour ce qu’elle est, sans filtre ni décor. Simplement dans son essence la plus primitive ». Une collection d’images où se mêlent monochromes et aplats de couleurs et d’où surgit une incroyable pulsion de vie.\u003c\/p\u003e","brand":"Francesca Sand","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":51181712638291,"sku":"","price":211.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0959\/1776\/9043\/files\/francesca-sand-a-e-s-t-a-s-e-2023-cadavre-exquis.webp?v=1766972844"},{"product_id":"louise-dumont-excroissance","title":"Louise Dumont :  Excroissance","description":"\u003ch2\u003eLouise Dumont\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eAutoportrait numérique , tirage mat signé et numéroté sur 8, format 30 x 30 cm (cadre 42x42), année 2022.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eLa biographie de Louise Dumont\u003c\/h3\u003e\n\u003cp style=\"text-align: left;\"\u003eDiplômée de l’ENSAAMA, elle est artisan-laqueur et restauratrice. Sensible à l’oeuvre d’Antoine d’Agata, Berlinde de Bruyckere et Francis Bacon, le butoh et la danse contemporaine en général, le corps - nu, brut - est au cœur de son motif photographique. La chair comme ombre et matière pour sculpter. Louise Dumont scrute, entaille, détaille, met en lumière des particularités épidermiques que certains appelleraient imperfections : cicatrices, cellulite, vergetures, rides, hématomes, éphélides... Elle aime tendre vers l’abstraction en s’approchant au plus près de son objet, et en bouleversant la lecture originelle de l’image. Désir que l’œil se trouble, se perde dans un amas de tissus, de muscles et de graisses, que les organes deviennent indéfinissables et le genre imprécis. Avec les corps sans visage de la série « D’en bas, je m’y courbe » (2015-2019), créatures aux formes et aux couleurs propres, charnus ou squelettiques, titanesques, flexibles et meurtris, à la peau opaline ou mordorée, elle crée une identité universelle, un corps commun dans lequel chacun.e peut se projeter. La chair mise à nue, photographiée, noème du « ça a été », se veut aussi garante poétique de l’égalité face à la mort, tel un memento mor est là un thème que l’on retrouve en filigrane au sein de ses différentes séries : « Tors.e » (2018) reprend l’imagerie de la sculpture antique, les « Vanités » (2020) rappellent les œuvres de J.P Witkin qui l’ont marquée plus jeune, et ses autoportraits « Je me photographie donc j’existe » qu’elle réalise depuis une dizaine d’années. Rarement pratiqué à visage découvert, l’autoportrait est en effet récurrent dans son travail. Elle use d’artifices et de procédés tels que masques, maquillage-camouflage, textures, exercice qui s’agrémente\u003cbr\u003esouvent de hasard et de métamorphoses imprévues. Une subtile alchimie entre danse et lumière stroboscopique lui permet de saisir le mouvement au vol et ainsi de multiplier ses « moi ». Entre calcul et abandon, spontanéité et patience, résonne une sorte de transcendance, vestige presque immatériel de son passage terrestre. Louise Dumont s’aventure également vers d’autres supports et médiums tels que la mise en scène de performances avec des danseur.ses, le stop-motion, la vidéo, la sculpture. Ses œuvres ont été exposées lors d’expositions collectives en France et à l’étranger, notamment à Paris, Berlin, Dublin, Venise et aux Etats-Unis.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e","brand":"Louise Dumont","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":51181729284435,"sku":"","price":316.5,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0959\/1776\/9043\/files\/louise-dumont-2022-excroissance-autoportait-numerique-tirage-mat-signe-et-numerote-sur-8-30x30-cadre-42x42.webp?v=1766972837"},{"product_id":"louise-dumont-je-suis-ne-brise-la-lumiere-passe-a-travers-moi","title":"Louise Dumont : Je suis né brisé la lumière passe à travers moi","description":"\u003ch2\u003eLouise Dumont \u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e Autoportrait, format 20x30, année 2021.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eLa biographie de Louise Dumont\u003c\/h3\u003e\n\u003cp style=\"text-align: left;\"\u003eDiplômée de l’ENSAAMA, elle est artisan-laqueur et restauratrice. 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Avec les corps sans visage de la série « D’en bas, je m’y courbe » (2015-2019), créatures aux formes et aux couleurs propres, charnus ou squelettiques, titanesques, flexibles et meurtris, à la peau opaline ou mordorée, elle crée une identité universelle, un corps commun dans lequel chacun.e peut se projeter. La chair mise à nue, photographiée, noème du « ça a été », se veut aussi garante poétique de l’égalité face à la mort, tel un memento mor est là un thème que l’on retrouve en filigrane au sein de ses différentes séries : « Tors.e » (2018) reprend l’imagerie de la sculpture antique, les « Vanités » (2020) rappellent les œuvres de J.P Witkin qui l’ont marquée plus jeune, et ses autoportraits « Je me photographie donc j’existe » qu’elle réalise depuis une dizaine d’années. Rarement pratiqué à visage découvert, l’autoportrait est en effet récurrent dans son travail. 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Ses œuvres ont été exposées lors d’expositions collectives en France et à l’étranger, notamment à Paris, Berlin, Dublin, Venise et aux Etats-Unis.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e","brand":"Louise Dumont","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":51181753041235,"sku":"","price":263.75,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0959\/1776\/9043\/files\/louise-dumont-2021-je-suis-nee-brise-la-lumiere-passe-a-travers-moi-autoportrait-20x30.webp?v=1766972839"},{"product_id":"louise-dumont-lumiere-noire-2023","title":"Louise Dumont : Lumière Noire","description":"\u003ch2\u003eLouise Dumont\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eFormat  20x30, année 2023.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eLa biographie de Louise Dumont\u003c\/h3\u003e\n\u003cp style=\"text-align: left;\"\u003eDiplômée de l’ENSAAMA, elle est artisan-laqueur et restauratrice. Sensible à l’oeuvre d’Antoine d’Agata, Berlinde de Bruyckere et Francis Bacon, le butoh et la danse contemporaine en général, le corps - nu, brut - est au cœur de son motif photographique. La chair comme ombre et matière pour sculpter. Louise Dumont scrute, entaille, détaille, met en lumière des particularités épidermiques que\u003cbr\u003ecertains appelleraient imperfections : cicatrices, cellulite, vergetures, rides, hématomes, éphélides... Elle aime tendre vers l’abstraction en s’approchant au plus près de son objet, et en bouleversant la lecture originelle de l’image. Désir que l’œil se trouble, se perde dans un amas de tissus, de muscles et de graisses, que les organes deviennent indéfinissables et le genre imprécis. Avec les corps sans visage de la série « D’en bas, je m’y courbe » (2015-2019), créatures aux formes et aux couleurs propres, charnus ou squelettiques, titanesques, flexibles et meurtris, à la peau opaline ou mordorée, elle crée une identité universelle, un corps commun dans lequel chacun.e peut se projeter. La chair mise à nue, photographiée, noème du « ça a été », se veut aussi garante poétique de l’égalité face à la mort, tel un memento mor est là un thème que l’on retrouve en filigrane au sein de ses différentes séries : « Tors.e » (2018) reprend l’imagerie de la sculpture\u003cbr\u003eantique, les « Vanités » (2020) rappellent les œuvres de J.P Witkin qui l’ont marquée plus jeune, et ses autoportraits « Je me photographie donc j’existe » qu’elle réalise depuis une dizaine d’années. Rarement pratiqué à visage découvert, l’autoportrait est en effet récurrent dans son travail. Elle use d’artifices et de procédés tels que masques, maquillage-camouflage, textures, exercice qui s’agrémente\u003cbr\u003esouvent de hasard et de métamorphoses imprévues. Une subtile alchimie entre danse et lumière stroboscopique lui permet de saisir le mouvement au vol et ainsi de multiplier ses « moi ». Entre calcul et abandon, spontanéité et patience, résonne une sorte de transcendance, vestige presque immatériel de son passage terrestre.\u003cbr\u003eLouise Dumont s’aventure également vers d’autres supports et médiums tels que la mise en scène de performances avec des danseur.ses, le stop-motion, la vidéo, la sculpture. Ses œuvres ont été exposées lors d’expositions collectives en France\u003cbr\u003eet à l’étranger, notamment à Paris, Berlin, Dublin, Venise et aux Etats-Unis.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e","brand":"Louise Dumont","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":51181775225171,"sku":"","price":263.75,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0959\/1776\/9043\/files\/louise-dumont-2023-lumiere-noire-20x30.webp?v=1766972842"},{"product_id":"amelia-fouillen-l-echorchee","title":"Amelia Fouillen : L’échorchée","description":"\u003ch2\u003eAmelia Fouillen\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003ePhotographie numérique, tirage papier RC mat, dimension : 25 x 18 cm, année 2020.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eLa biographie de Amelia Fouillen\u003c\/h3\u003e\n\u003cp style=\"text-align: left;\"\u003eAmélia Fouillen, diplômée d’un master en recherche et création, explore les rapports intimes entre corps, inconscient et mémoire. Son travail interroge la manière dont nos mondes intérieurs : nos sensations, nos souvenirs, les flux invisibles ; peuvent prendre forme et devenir matière.\u003cbr\u003ePar la performance, la gravure et la création d’objets, elle met en scène un corps éprouvé, sculpté, incarné. Le corps devient alors un matériau à part entière : malléable, vulnérable, et porteur d’empreintes. Les traces, les gestes, les restes, les fluides nourrissent une production d’objets performatifs et symboliques. Les gravures, comme les objets qu’elle façonne, sont les récepteurs de cette traversée entre inconscient et chair.\u003cbr\u003eSes œuvres cristallisent l’instant où l'invisible bascule dans le visible, où l'intime s'offre à la narration. Chaque œuvre agit comme un fragment d’histoire, où le geste et la matière portent le souvenir du corps, de son passage, de son existence même.\u003cbr\u003eDans cette recherche, Amélia Fouillen ne cesse d’éprouver le corps : pur outil de sensation, réservoir de mémoire, matière vivante et sculpturale. En déployant ces formes à la frontière du rituel, de la relique et de la performance, elle interroge ce qu’il reste, ce qu’il s’imprime et ce qui, du corps, survit dans l’objet.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e","brand":"Amelia Fouillen","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":51181795869011,"sku":"","price":79.13,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0959\/1776\/9043\/files\/amelia-fouillen-l-ecorchee-2020-25x18.webp?v=1766972845"},{"product_id":"geraldine-villemain-sans-titre","title":"Géraldine Villemain : \"Sans titre\"","description":"\u003ch2\u003eGéraldine Villemain\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eExtrait de la série Ne M'attends Pas Ce Soir, photographie couleur, format 30x40cm, année 2019.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eLa biographie de Géraldine Villemain \u003c\/h3\u003e\n\u003cp style=\"text-align: left;\"\u003eNée à Paris, Géraldine Villemain y reste jusqu’en 1999. Date à laquelle elle plie bagages et part pour Toulouse, où elle poursuit ses études en Sciences de l’Éducation. En 2000, en transit à la gare de Bordeaux, elle tombe, au détour d’une poubelle, nez à nez avec un appareil photo argentique. La photographie s’installe alors dans son quotidien. En 2006, Géraldine s’inscrit au cours des ateliers photographiques de St Cyprien. Pendant quatre ans, elle suivra avec assiduité chacun des niveaux proposés : pratique, approfondissement et recherche. Elle poursuit son apprentissage lors de workshops à Toulouse et Arles. D’images en images, sa démarche photographique se dessine. Ses séries sont exposées,\u003cbr\u003eprojetées et publiées régulièrement en France et à l'étranger (Paris, Toulouse, Dublin, Belgique, Italie...) En parrallèle de son activité d'artiste photographe, elle cofonde et gère le Labo Sauvage, laboratoire argentique associatif toulousain, où elle intervient dans le cadre d'ateliers annuels et ponctuels.\u003cbr\u003eDepuis novembre 2022, elle est membre du collectif artistique Action Hybride.\u003c\/p\u003e","brand":"Géraldine Villemain","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":51181810942291,"sku":"","price":474.75,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0959\/1776\/9043\/files\/geraldine-villemain-2019-sans-titre-photographie-couleur-30x40.webp?v=1766972843"},{"product_id":"remi-tamain-joseph-2-un-empereur-eclaire-noir-jaune","title":"Rémi Tamain : Joseph II - Un empereur éclairé","description":"\u003ch2\u003eRémi Tamain\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eFormat : 40x40\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eLa biographie de Rémi Tamain\u003c\/h3\u003e\n\u003cp style=\"text-align: left;\"\u003eDes oiseaux bleus habitent des maisons rouges.\u003c\/p\u003e\n\u003cp style=\"text-align: left;\"\u003eRémi Tamain appartient à cette génération d’artistes qui s’amusent des échos référentiels de l’histoire de l’art et des oeuvres promues au rang d’icône et reconnaissable par tous.\u003c\/p\u003e\n\u003cp style=\"text-align: left;\"\u003eCes références s’articulent depuis une « histoire » culturelle globale comme des clichés de classe sociale, d’être ou ne pas être d’un sérail que tout sépare.\u003c\/p\u003e\n\u003cp style=\"text-align: left;\"\u003eMême si il joue de ces codes culturels, de ces va-et-vient, il s’attache davantage à des objets ou des productions comme des cabines de bains fin de siècle, ou l’idée de jardins à la française où Alice s’égare, plutôt qu’à des oeuvres picturales en tant que telles.\u003c\/p\u003e\n\u003cp style=\"text-align: left;\"\u003eDepuis des situations décalées liées à sa propre origine et condition sociales, Rémi Tamain élabore un ensemble d’objets, de photographies, de sculptures, et constitue à chaque production, un élément supplémentaire de son vocabulaire et d’une syntaxe personnelle. C’est ce frottement des origines avec sa pratique artistique qui constitue à cet instant la source de son imaginaire et produit un sourire, un rire débarrassé de sa graisse.\u003c\/p\u003e\n\u003cp style=\"text-align: left;\"\u003eIci, aucune incongruité, mais l’appui d’un humour élégant qui jalonne tout son oeuvre en construction, dont Le nid, renferme en une pièce l’humour gracieux et le grincement formel de ses productions. Cette ornementation paysagère, comme phalanstère, propose aux volatiles un espace de vie et de travail tout en harmonie sur cette terre d’accueil.\u003c\/p\u003e\n\u003cp style=\"text-align: left;\"\u003eCes nouveaux foyers, sortes d’habitations à loyer modéré, sont accrochés au pommier dans un espace que l’on soupçonne être pour une contemplation privative. Cet accrochage de plein air est une sorte de « mise en demeure » des références circassiennes qui jalonnent le travail de Rémi Tamain et de cette obligation à la tenue, à l’élégance qui le constitue et que son travail impose parfois comme Miroir aux alouettes.\u003c\/p\u003e\n\u003cp style=\"text-align: left;\"\u003eL’aspect a priori ludoéducatif des travaux de Rémi Tamain recèle parfois un regard chargé d’une humeur noire et d’une nostalgie poétique, mais dont la politesse de l’humour esquive le pathos. \u003c\/p\u003e\n\u003cp style=\"text-align: left;\"\u003eLangueur dont certains pairs contemporains de Rémi Tamain forment un ensemble, d’Erwin Wurm à Philippe Ramette ou plus anciens, comme Buster Keaton et Jacques Tati.\u003c\/p\u003e\n\u003cp style=\"text-align: left;\"\u003eIl y a donc chez Rémi Tamain une phénoménologie du contreplaqué, matériau qui à l’instant de ses lignes apparaît comme une structure manufacturée exsangue de nodosités, et récurant pour la réalisation de ses travaux de sculptures.\u003c\/p\u003e\n\u003cp style=\"text-align: left;\"\u003eToutefois, il semble que le narratif ne soit pas absent de son oeuvre. Ainsi, les titres qu’il indique pour ses pièces proposent une sorte de conte par le biais de cadavres exquis que construit le regardeur.\u003c\/p\u003e\n\u003cp style=\"text-align: left;\"\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"Rémi Tamain","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":51181818675539,"sku":"","price":474.75,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0959\/1776\/9043\/files\/remi-tamain-joseph-i--i-un-empereur-eclaire.webp?v=1766972844"},{"product_id":"remi-tamain-joseph-2-un-empereur-eclaire-noir-rouge","title":"Rémi Tamain : Joseph II - Un empereur éclairé","description":"\u003ch2\u003eRémi Tamain\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eFormat : 40x40\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eLa biographie de Rémi Tamain\u003c\/h3\u003e\n\u003cp style=\"text-align: left;\"\u003eDes oiseaux bleus habitent des maisons rouges.\u003c\/p\u003e\n\u003cp style=\"text-align: left;\"\u003eRémi Tamain appartient à cette génération d’artistes qui s’amusent des échos référentiels de l’histoire de l’art et des oeuvres promues au rang d’icône et reconnaissable par tous.\u003c\/p\u003e\n\u003cp style=\"text-align: left;\"\u003eCes références s’articulent depuis une « histoire » culturelle globale comme des clichés de classe sociale, d’être ou ne pas être d’un sérail que tout sépare.\u003c\/p\u003e\n\u003cp style=\"text-align: left;\"\u003eMême si il joue de ces codes culturels, de ces va-et-vient, il s’attache davantage à des objets ou des productions comme des cabines de bains fin de siècle, ou l’idée de jardins à la française où Alice s’égare, plutôt qu’à des oeuvres picturales en tant que telles.\u003c\/p\u003e\n\u003cp style=\"text-align: left;\"\u003eDepuis des situations décalées liées à sa propre origine et condition sociales, Rémi Tamain élabore un ensemble d’objets, de photographies, de sculptures, et constitue à chaque production, un élément supplémentaire de son vocabulaire et d’une syntaxe personnelle. C’est ce frottement des origines avec sa pratique artistique qui constitue à cet instant la source de son imaginaire et produit un sourire, un rire débarrassé de sa graisse.\u003c\/p\u003e\n\u003cp style=\"text-align: left;\"\u003eIci, aucune incongruité, mais l’appui d’un humour élégant qui jalonne tout son oeuvre en construction, dont Le nid, renferme en une pièce l’humour gracieux et le grincement formel de ses productions. Cette ornementation paysagère, comme phalanstère, propose aux volatiles un espace de vie et de travail tout en harmonie sur cette terre d’accueil.\u003c\/p\u003e\n\u003cp style=\"text-align: left;\"\u003eCes nouveaux foyers, sortes d’habitations à loyer modéré, sont accrochés au pommier dans un espace que l’on soupçonne être pour une contemplation privative. 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C’est ce frottement des origines avec sa pratique artistique qui constitue à cet instant la source de son imaginaire et produit un sourire, un rire débarrassé de sa graisse.\u003c\/p\u003e\n\u003cp style=\"text-align: left;\"\u003eIci, aucune incongruité, mais l’appui d’un humour élégant qui jalonne tout son oeuvre en construction, dont Le nid, renferme en une pièce l’humour gracieux et le grincement formel de ses productions. Cette ornementation paysagère, comme phalanstère, propose aux volatiles un espace de vie et de travail tout en harmonie sur cette terre d’accueil.\u003c\/p\u003e\n\u003cp style=\"text-align: left;\"\u003eCes nouveaux foyers, sortes d’habitations à loyer modéré, sont accrochés au pommier dans un espace que l’on soupçonne être pour une contemplation privative. 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Né à Cayenne, Damien RUVET entre aux Beaux-Arts de Nice plus connu sous le nom de Villa Arson et en sort diplômé en 2022 avec les félicitations du jury. C’est là que commence son aventure dans le jardin, mêlant aussi bien le jardin d’extérieur avec celui de l’intérieur comme sa série d'installation sculpturale Zion ou Abati (2023), qu’il considère aujourd’hui comme l’essence de son travail.\u003cbr\u003eArtiste pluridisciplinaire, Damien RUVET n’exerce point une pratique du médium unique. Dans cette peinture qu’il définit comme une abstraction figurative, l’esthétique entrelacée de l’art Tembé, art noir-marron originaire des Guyanes, prend racine dans sa pratique du graffiti qu’il exerce depuis son plus jeune âge, dans la volonté de rendre accessible l’art contemporain à tous sans médiation comme Keith Haring auparavant. \u003c\/p\u003e\n\u003cp style=\"text-align: left;\"\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003cp style=\"text-align: left;\"\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003cp style=\"text-align: left;\"\u003e \u003c\/p\u003e","brand":"Damien Ruvet","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":51181834797395,"sku":"","price":422.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0959\/1776\/9043\/files\/damien-ruvet-dentelle-2.webp?v=1766972850"},{"product_id":"akoi-aka-great-reset-no-war-they-said","title":"Akoi Aka : Great Reset - No war they said","description":"\u003ch2\u003eAkoi Aka\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eAcrylique et vernis sur verre - Découpe verre au diamant puis marouflage au papier journal et vernis,  90*60 cm, année de réalisation 2024.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eLa biographie de Akoi Aka\u003c\/h3\u003e\n\u003cp style=\"text-align: left;\"\u003eAkoi Aka est artiste, mais il a aussi créé des galeries, puis un festival.\u003cbr\u003eSon immersion dans l’art est donc multi-casquette et s'ancre dans son parcours de\u003cbr\u003evie, depuis les premiers jours : “Je suis entré dans l'art par passion, de façon\u003cbr\u003epresque instinctive, à partir d'un oncle peintre qui a inspiré mon enfance. L'écriture\u003cbr\u003ea été un premier point d'approche du milieu. Puis le dessin, et la peinture. Des\u003cbr\u003eannées de réflexion, de création, de recherche, de questionnement,\u003cbr\u003ed'expérimentations, puis l'approche du travail des galeries d'art”.\u003cbr\u003eEn parallèle de sa peinture, Akoi Aka ouvre une galerie à Montpellier, la galerie Art\u003cbr\u003eManiac (devenue galerie Expo1), galerie qui lui permet de rencontrer de nombreux\u003cbr\u003eartistes.\u003c\/p\u003e\n\u003cp style=\"text-align: left;\"\u003e\u003cbr\u003eInstallé ensuite dans le Gard, il poursuit ce double parcours de peintre et galeriste\u003cbr\u003edans le village où il s’installe, Tresques, dans le Gard rhodanien, quelques\u003cbr\u003ekilomètres au sud de Bagnols-sur-Cèze. Pendant onze ans, il va diriger le programme d’expositions qui se tiennent dans un lieu atypique, la Tour de Guet, une véritable tour seigneuriale qui date du XIIè siècle, dernier vestige d’un château aujourd’hui disparu.\u003c\/p\u003e\n\u003cp style=\"text-align: left;\"\u003e\u003cbr\u003eEn 2011, il crée encore un autre rendez-vous, le festival \"Tresques Contemporain\"\u003cbr\u003eavec le concours de l'artiste Gilles Barp. Le festival est devenu aujourd'hui \"Festival\u003cbr\u003ede Tresques\", porté par d'autres équipes, mais Akoi Aka a réalisé l’œuvre utilisée\u003cbr\u003epour le visuel officiel de communication de l’édition 2024. Akoi Aka s’occupe donc de beaucoup de choses pour les artistes, mais il se garde du temps pour garder en main sa plume, son pinceau ou ses encres. Il entame alors une peinture où le geste se montre: le crayon ou le pinceau laisse des arabesques sur la toile, qui se multiplient, se croisent, se chevauchent, donnant une dynamique qui, si elle reste abstraite, possède pour l’artiste une force vitale évidente, qui lui fait tenir un discours plus figuratif : “Mon travail présente essentiellement l'être humain face à son altérité, sa mortalité, son rêve d'ailleurs, mais aussi son placement dans un tout, grand, universel, puissant.\u003cbr\u003eLes vies se fondent dans le chaos de la création, force génératrice infinie qui crée\u003cbr\u003etel le singe tapeur l'infini jusqu'au beau, l'infini jusqu'à nous, ce que nous fûmes, ce\u003cbr\u003eque nous sommes, serons et serions”.\u003c\/p\u003e\n\u003cp style=\"text-align: left;\"\u003eQuand j'ai créé en 2011 le festival \"Tresques Contemporain\" avec le concours de l'artiste Gilles Barp, nous avons généré une âme qui aujourd'hui encore me vaut des demandes de \"re-naissance\". Le festival est devenu aujourd'hui \"Festival de Tresques\", porté par d'autres équipes. Je suis heureux d'avoir créé pour cette édition 2024 une œuvre utilisée pour le visuel officiel de communication. Akoi AKA : Mon inspiration est complexe et se nourrit de tout ce que j’ai pu voir ou vivre, dans une vie personnelle entre Afrique et France, une vie estudiantine et professionnelle empreinte de ce que la science peut offrir en terme de complexité (diplômé en biologie cellulaire et microbiologie), d’infinie variété et d’interrogations, une vie artistique empreinte de découvertes après 20 années d’exploration, sensible au travail de fond mené par les grands maîtres et ceux que j’appellerais les testeurs, sillonneurs de l’art, des ateliers d’artistes aux galeries, des salons d’arts aux musées, du palpable au numérique avec toute la variété qui découle de son ADN. Parmi les artistes qui font le monde l’Art, voici quelques noms qui ont pu m’interroger et faire évoluer mon travail : Jean-Michel BASQUIAT (c’est un peu cliché mais nos parcours se superposent parfois et son travail avec des rappels de dessins anatomiques me parle beaucoup, ayant moi-même effectué une première année de médecine il y a fort longtemps), Francis Bacon, Jackson Pollock, Marcel Duchamp, Ousmane Saw, Ndary Lô et plus récemment Claude Viallat.\u003c\/p\u003e\n\u003cp style=\"text-align: left;\"\u003e\u003cbr\u003eIl est indéniable pour moi que les premières années de ma vie, vécues en Côte d’ Ivoire, ont teinté mon travail d’une note d’obscurité, la nuit ayant longtemps nourri ma créativité par les mystères qui s’y logent, mais aussi par cette jungle de vie qui vous bouscule et remet sans cesse à plat vos convictions et certitudes. Mon travail, sur verre, papier ou toile se veut le plus expressif possible, dénué d’intention du moment qu’a été acté le fait que les vibrations de ce qui nous entoure nous traverse et nous parle, faisant du poignet du peintre la courroie de transmission du message d’un clan, d’une famille, d’un groupe, qui dit à l’altérité qu’il existe, ici et maintenant, dans ce monde qui nous matérialise. Le papier Xuan a été une découverte récente, il y a près de 4 années avec mon ami peintre chinois Zheng Zhihong résidant à Versailles. Inscrit au patrimoine mondial de l’UNESCO, ce papier par son processus de fabrication unique\u003cbr\u003es’adresse aux calligraphes. Comme le verre à qui je voue un respect profond, la\u003cbr\u003enoblesse du papier invite à se dépasser, considérer chaque apport d’encre, chaque\u003cbr\u003egeste, comme un moment unique et puissant, une chance voire une grâce, offerte\u003cbr\u003een un instant précieux qui, je le sais, ne se reproduira jamais. Le geste qui suit est\u003cbr\u003etoujours un message nouveau.\u003c\/p\u003e\n\u003cp style=\"text-align: left;\"\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003cp style=\"text-align: left;\"\u003e \u003c\/p\u003e","brand":"Akoi Aka","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":51181851050323,"sku":"","price":6330.0,"currency_code":"EUR","in_stock":false}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0959\/1776\/9043\/files\/akoi-aka-2024-great-reset-no-war-they-said-acrylique-et-vernis-sur-verre-decoupe-verre-au-diamant-et-marouflage-au-papier-journal-et-vernis.webp?v=1766972852"},{"product_id":"bonte-kadra","title":"Bonté : Kadra","description":"\u003ch2\u003eBonté\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eTechnique mixte (Posca et aérosols) sur toile coton avec vernis gloss, format encadré 25 x 25 x 3,5 cm et hors cadre 20 x 20 cm.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eLa biographie de Bonté\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eBONTÉ est un graffeur parisien reconnu dès les années 1990, période charnière où le graffiti s’impose massivement dans l’espace urbain de la capitale. Son blaze apparaît alors de manière répétée sur les murs, rideaux métalliques et infrastructures publiques de Paris et de sa proche banlieue, dans une logique de saturation visuelle propre au graffiti de cette époque.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003ePratiquant essentiellement le tag, BONTÉ se distingue par une signature rapide, lisible et omniprésente dans les rues et le métro. Son activité intense lui vaut une reconnaissance immédiate dans le milieu graffiti, mais aussi une attention particulière des autorités. Selon plusieurs témoignages issus de la scène parisienne, il aurait été considéré comme le deuxième graffeur le plus recherché par la RATP, juste après O’Clock, figure emblématique du graffiti parisien.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eContrairement à certains de ses contemporains, BONTÉ ne cherche ni la médiatisation ni la reconnaissance institutionnelle. Il incarne une génération pour laquelle le graffiti est avant tout un acte de présence, un marquage du territoire et une affirmation identitaire dans la ville.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eBien que son blaze disparaisse progressivement à la fin des années 2000, BONTÉ demeure aujourd’hui une figure marquante de l’histoire underground du graffiti parisien, régulièrement cité dans les archives et la mémoire collective des acteurs de cette scène, aujourd'hui membre des XIT, il a toujours une incidence dans le milieu du graffiti et aujourd'hui il se développe dans les galeries dédiées au graffiti et au street art.\u003c\/p\u003e","brand":"Bonté","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":51181865763155,"sku":"","price":147.7,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0959\/1776\/9043\/files\/bonte-kadra.webp?v=1766972851"},{"product_id":"yifat-gat-blue","title":"Yifat Gat : Blue","description":"\u003ch2\u003eYifat Gat \u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e Encore sur toile , format 30x40cm, année 2025.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eLa biographie de Yifat Gat\u003c\/h3\u003e\n\u003cp style=\"text-align: left;\"\u003eBonjour,\u003cbr\u003eJe m'appelle Yifat Gat, je suis peintre et graphiste, animée par une profonde passion pour la créativité et le développement personnel.\u003cbr\u003eMa devise, « Je dessine, tu dessines, il\/elle dessine, nous dessinons tous », reflète ma conviction dans le pouvoir universel de l'art pour connecter et inspirer.\u003cbr\u003eJuive laïque croyante en Dieu et amoureuse des récits bibliques, j’aborde la spiritualité et l’identité avec un esprit ouvert, mêlant réflexion personnelle et expression artistique. Originaire d’Israël, je vis aujourd’hui à Marseille, cœur vibrant de la Méditerranée et de la Provence.\u003cbr\u003eJe suis une fière maman de cinq enfants instruits en famille. Quatre d’entre eux sont nés naturellement, et j’ai écrit un livre dans lequel je partage mes conseils pour un accouchement naturel. Au fil de ce parcours d’instruction en famille, j’ai développé le système « Maison-Travail-Soi » afin de rester centrée au milieu du chaos et de créer un équilibre pour mes enfants comme pour moi.\u003cbr\u003eJe vis dans un quartier marseillais à l’ambiance « Brooklyn », peuplé d’artistes et d’une communauté diverse, où je puise une grande partie de mon inspiration dans la richesse culturelle qui m'entoure.\u003cbr\u003eAyant toujours vécu près de la mer, le bleu méditerranéen est mon oxygène. Vivant entre l’Italie et l’Espagne, j’ai aussi le privilège de nager dans les bleus de Matisse et des autres maîtres de la région.\u003cbr\u003eMon amour des fleurs me relie à la beauté de la nature : le parc derrière chez moi, les marchés aux fleurs, les champs de lavande... J’embrasse la puissance de la nature pour nourrir la créativité et la résilience dans tous les aspects de la vie.\u003c\/p\u003e\n\u003cp style=\"text-align: left;\"\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"Yifat Gat","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":51181872447827,"sku":"","price":411.45,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0959\/1776\/9043\/files\/yifat-gat-Blue-encore-sur-toile-30-x-40-annee-2025.webp?v=1766972854"},{"product_id":"max-horde-rap-cirkus-copie-signee","title":"Max Horde : Rap'cirkus (copie signée)","description":"\u003ch2\u003eMax Horde\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eAnnée 1996, lieu Paris, technique mixte sur bois, format 30x41cm (Copie signée).\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eLa biographie de Max Horde\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eMax Horde est né à Aulnay-sous-Bois. France. Il commence sa carrière artistique avec des interventions urbaines et des installations performatives dès la fin des années 1970. Très tôt, il rejette les conventions traditionnelles de la sculpture et des beaux-arts pour développer une démarche fondée sur l’« art-action » et le détournement des pratiques instituées.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eDans les années 1980, il participe à la création du groupe Pap’circus[ une troupe itinérante de performers qui agitait les espaces publics et les festivals en France et à l’étranger avec des actions non-scriptées et des performances spontanées.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003ePar la suite, il fonde à Sète un lieu d’expérimentation artistique appelé « Le Marchand du Sel » qui accueille des manifestations pluridisciplinaires.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eTravail artistique\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eL’œuvre de Max Horde se caractérise par une mise en scène du décalage, un humour critique et l’effacement des frontières entre art et vie. Son travail intègre souvent des performances, des interventions publiques et des projets collaboratifs qui interrogent la réception de l’art et la place du spectateur.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eIl a également participé à diverses manifestations collectives où son nom figure aux côtés d’artistes associés à l’avant-garde historique, notamment dans le cadre d’expositions liées au mouvement Fluxus. Par exemple, il est mentionné dans le contexte de l’exposition Fluxus Côte d’Azur 1963-68…2023 à la Galerie Eva Vautier à Nice, qui célébrait le 60e anniversaire du mouvement Fluxus avec de nombreux artistes historiques. (Réseau documents d'artistes)\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eParallèlement il poursuit une pratique picturale dite BD-Painting qu'il définit ainsi : « La BD painting n'est ni une BD ni une peinture mais quelque chose qui se situe entre les deux ». C'est ce qu'il présente à la shop.artdispatch.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eSite principal : www.maxhordecircus.com \u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"Max Horde","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":51181883785555,"sku":"","price":52.75,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0959\/1776\/9043\/files\/max-horde-rap-cirkus-technique-mixte-sur-bois-1996_d16067db-a3e7-4f04-b384-c5c59e48f288.webp?v=1766972856"},{"product_id":"max-horde-encore-gagne-copie-signee","title":"Max Horde : Encore gagné (copie signée)","description":"\u003ch2\u003eMax Horde\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eMax Horde : Encore gagné (copie signée), année 1996, lieu Paris, technique mixte sur toile, format 33x41cm.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eLa biographie de Max Horde\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eMax Horde est né à Aulnay-sous-Bois. France. Il commence sa carrière artistique avec des interventions urbaines et des installations performatives dès la fin des années 1970. Très tôt, il rejette les conventions traditionnelles de la sculpture et des beaux-arts pour développer une démarche fondée sur l’« art-action » et le détournement des pratiques instituées.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eDans les années 1980, il participe à la création du groupe Pap’circus[ une troupe itinérante de performers qui agitait les espaces publics et les festivals en France et à l’étranger avec des actions non-scriptées et des performances spontanées.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003ePar la suite, il fonde à Sète un lieu d’expérimentation artistique appelé « Le Marchand du Sel » qui accueille des manifestations pluridisciplinaires.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eTravail artistique\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eL’œuvre de Max Horde se caractérise par une mise en scène du décalage, un humour critique et l’effacement des frontières entre art et vie. Son travail intègre souvent des performances, des interventions publiques et des projets collaboratifs qui interrogent la réception de l’art et la place du spectateur.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eIl a également participé à diverses manifestations collectives où son nom figure aux côtés d’artistes associés à l’avant-garde historique, notamment dans le cadre d’expositions liées au mouvement Fluxus. Par exemple, il est mentionné dans le contexte de l’exposition Fluxus Côte d’Azur 1963-68…2023 à la Galerie Eva Vautier à Nice, qui célébrait le 60e anniversaire du mouvement Fluxus avec de nombreux artistes historiques. (Réseau documents d'artistes)\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eParallèlement il poursuit une pratique picturale dite BD-Painting qu'il définit ainsi : « La BD painting n'est ni une BD ni une peinture mais quelque chose qui se situe entre les deux ». C'est ce qu'il présente à la shop.artdispatch.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eSite principal : www.maxhordecircus.com\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"Max Horde","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":51181893189971,"sku":null,"price":52.75,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0959\/1776\/9043\/files\/max-horde-encore-gagne-technique-mixte-sur-toile-1996-33x41_f09313ce-d5eb-49d1-9ed9-0d0b474dca1e.webp?v=1766972858"},{"product_id":"max-horde-rap-cirkus","title":"Max Horde : Rap'Cirkus","description":"\u003ch2\u003eMax Horde\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eAnnée  1996, lieu Paris, technique mixte sur bois, format 30x41cm (Oeuvre originale).\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eLa biographie de Max Horde\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eMax Horde est né à Aulnay-sous-Bois. France. 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Son travail intègre souvent des performances, des interventions publiques et des projets collaboratifs qui interrogent la réception de l’art et la place du spectateur.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eIl a également participé à diverses manifestations collectives où son nom figure aux côtés d’artistes associés à l’avant-garde historique, notamment dans le cadre d’expositions liées au mouvement Fluxus. Par exemple, il est mentionné dans le contexte de l’exposition Fluxus Côte d’Azur 1963-68…2023 à la Galerie Eva Vautier à Nice, qui célébrait le 60e anniversaire du mouvement Fluxus avec de nombreux artistes historiques. (Réseau documents d'artistes)\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eParallèlement il poursuit une pratique picturale dite BD-Painting qu'il définit ainsi : « La BD painting n'est ni une BD ni une peinture mais quelque chose qui se situe entre les deux ». C'est ce qu'il présente à la shop.artdispatch.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eSite principal : www.maxhordecircus.com \u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"Max Horde","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":51181903741267,"sku":null,"price":633.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0959\/1776\/9043\/files\/max-horde-encore-gagne-technique-mixte-sur-toile-1996-33x41.webp?v=1766972858"},{"product_id":"jean-jacques-francois-entre-ange-et-demon","title":"Jean-Jacques François : Entre Ange et Démon","description":"\u003ch2\u003eJean-Jacques François\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eAcrylique sur toile, format 65 x 81 x 2,5 cm, \u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eLa biographie de Jean-Jacques François\u003c\/h3\u003e\n\u003cdiv data-limit=\"200\" style=\"max-height: 230px;\"\u003e\n\u003cp\u003eJean-Jacques François est un artiste peintre et plasticien sétois autodidacte qui s'est formé au dessin industriel au lycée technique de Sète.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eIl commence à peindre dans les années 70 puis se lance dans la mode en tant que styliste et s'installe à Barcelone en 1975. Partagé entre ces deux cultures ses influences sont multiples, il se définit comme un artiste conceptuel et revendique une entière liberté de création et d'expression.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eJean-Jacques est un artiste spécialiste du détournement qui mêle avec génie poésie, dérision et humour.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003c\/div\u003e","brand":"Jean-Jacques François","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":51181912129875,"sku":"","price":1582.5,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0959\/1776\/9043\/files\/jean-jacques-francois-entre-ange-et-demon-acrylique-sur-toile.webp?v=1766972860"},{"product_id":"lexie-astral-glamour-unhinged","title":"Lexie Astral Glamour : Unhinged","description":"\u003ch2\u003eLexie Astral Glamour\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eTechnique mixte sur toile, acrylique, paillettes, résine, verre, format 46.5x38x2.5 cm, année 2024.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eLa bibliographie de Lexie Astral Glamour\u003c\/h3\u003e\n\u003cp style=\"text-align: left;\"\u003e« Un combat contre l’ennui, contre la nuit, tout contre… »\u003cbr\u003eAstral Glamour, c’est tout d’abord un souffle de liberté, souffle qui\u003cbr\u003eporta en 2010 Alexandra Burini à pousser les portes de la prestigieuse\u003cbr\u003eCentral Saint Martins de Londres. Loin du continent et loin du soleil qui l’a vue naître sur les bords de la Méditerranée, à Monaco, Alexandra embrasse la nuit, toutes les nuits, leurs fastes et leurs fulgurances, leurs parts d’ombre et leurs décadences. Au cœur de Shoreditch, elle investit du sol au plafond son appartement, le transformant\u003cbr\u003e(au désespoir de ses propriétaires) en véritable œuvre d’art chic et brut où se rencontre la fine fleur des nuits londoniennes de l’époque.\u003c\/p\u003e\n\u003cp style=\"text-align: left;\"\u003e En parallèle, habituée du mythique club Scotch of Saint James, Alexandra devient Super Lexie, créatrice de moments, provocatrice d’instants, et dessine à chaque apparition une fresque de plus en plus riche et délicieusement critique sur la fête à l’époque postmoderne. En 2015, elle s’illustre dans le monde de la performance artistique notamment au club Les Bains à Paris, ville désormais devenue son nouveau terrain de jeu. Actions picturales, lectures de poèmes, direction musicale dans le cadre de « disco décors », Super Lexie, archiviste de l’excès, conserve de ses aventures les reliques de la nuit qu’elle incorpore, comme un rituel, dans ses toiles. Tout à la fois peintre plasticienne, performeuse, chanteuse, photographe, DJ, Alexandra Burini a su mûrir son style au contact du réel, au contact des sols glissants de fin de soirée, ces soirées où décidément tout est permis mais rien ne sera jamais possible, ces soirées où chacun cherche à l’ombre des sunlights à se réinventer, plus beau, plus riche, plus grand, pour finir par se sentir petit, laid et misérable… ces soirées enfin, séquences immuables, figées dans un rite contemporain dont on connaît fatalement l’issue, qui sont autant une purification par le feu de l’alcool qu’une communion éclairée aux cierges de la nuit.\u003c\/p\u003e\n\u003cp style=\"text-align: left;\"\u003eLa nuit, en effet, tous les chats ne sont pas gris, ils passent d’abord par toutes les couleurs possibles et ne deviennent gris, en réalité, que le lendemain… C’est justement ces lendemains, ces points de bascule où la soirée devient after, où l’alcool ne suffit plus, qui ont permis à Super Lexie, désormais connue sous le nom d’Astral Glamour, de réunir un ensemble d’œuvres originales dans le cadre de sa nouvelle exposition immersive Night Blooms qui investira l’espace de My Art Goes Boom, ancien entrepôt au 22 rue de Millo à Monaco. Accompagnée des Space Lips, ces « bouches disco » venues du fin fond de la galaxie, Astral Glamour nous invite à plonger dans l’univers des afters, à travers son regard désabusé autant qu’amusé, léger comme une bulle de champagne, grave comme le clairon à l’ouverture de la chasse.\u003c\/p\u003e","brand":"Lexie Astral Glamour","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":51181920420179,"sku":"","price":316.5,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0959\/1776\/9043\/files\/lexie-astral-glamour-2024-unhinged-acrylique-pailettes-resine-verre.webp?v=1766972864"},{"product_id":"lexie-astral-glamour-how-could-i-make-you-more-uncomfortable","title":"Lexie Astral Glamour : How could I make you more uncomfortable ?","description":"\u003ch2\u003eLexie Astral Glamour\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eMixed media on wood, format 40x34.5x2 cm, technique : acrylique, paillettes, résine, verres.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eLa bibliographie de Lexie Astral Glamour\u003c\/h3\u003e\n\u003cp style=\"text-align: left;\"\u003e« Un combat contre l’ennui, contre la nuit, tout contre… »\u003cbr\u003eAstral Glamour, c’est tout d’abord un souffle de liberté, souffle qui\u003cbr\u003eporta en 2010 Alexandra Burini à pousser les portes de la prestigieuse\u003cbr\u003eCentral Saint Martins de Londres. Loin du continent et loin du soleil qui l’a vue naître sur les bords de la Méditerranée, à Monaco, Alexandra embrasse la nuit, toutes les nuits, leurs fastes et leurs fulgurances, leurs parts d’ombre et leurs décadences. Au cœur de Shoreditch, elle investit du sol au plafond son appartement, le transformant\u003cbr\u003e(au désespoir de ses propriétaires) en véritable œuvre d’art chic et brut où se rencontre la fine fleur des nuits londoniennes de l’époque.\u003c\/p\u003e\n\u003cp style=\"text-align: left;\"\u003e En parallèle, habituée du mythique club Scotch of Saint James, Alexandra devient Super Lexie, créatrice de moments, provocatrice d’instants, et dessine à chaque apparition une fresque de plus en plus riche et délicieusement critique sur la fête à l’époque postmoderne. En 2015, elle s’illustre dans le monde de la performance artistique notamment au club Les Bains à Paris, ville désormais devenue son nouveau terrain de jeu. Actions picturales, lectures de poèmes, direction musicale dans le cadre de « disco décors », Super Lexie, archiviste de l’excès, conserve de ses aventures les reliques de la nuit qu’elle incorpore, comme un rituel, dans ses toiles. Tout à la fois peintre plasticienne, performeuse, chanteuse, photographe, DJ, Alexandra Burini a su mûrir son style au contact du réel, au contact des sols glissants de fin de soirée, ces soirées où décidément tout est permis mais rien ne sera jamais possible, ces soirées où chacun cherche à l’ombre des sunlights à se réinventer, plus beau, plus riche, plus grand, pour finir par se sentir petit, laid et misérable… ces soirées enfin, séquences immuables, figées dans un rite contemporain dont on connaît fatalement l’issue, qui sont autant une purification par le feu de l’alcool qu’une communion éclairée aux cierges de la nuit.\u003c\/p\u003e\n\u003cp style=\"text-align: left;\"\u003eLa nuit, en effet, tous les chats ne sont pas gris, ils passent d’abord par toutes les couleurs possibles et ne deviennent gris, en réalité, que le lendemain… C’est justement ces lendemains, ces points de bascule où la soirée devient after, où l’alcool ne suffit plus, qui ont permis à Super Lexie, désormais connue sous le nom d’Astral Glamour, de réunir un ensemble d’œuvres originales dans le cadre de sa nouvelle exposition immersive Night Blooms qui investira l’espace de My Art Goes Boom, ancien entrepôt au 22 rue de Millo à Monaco. Accompagnée des Space Lips, ces « bouches disco » venues du fin fond de la galaxie, Astral Glamour nous invite à plonger dans l’univers des afters, à travers son regard désabusé autant qu’amusé, léger comme une bulle de champagne, grave comme le clairon à l’ouverture de la chasse.\u003c\/p\u003e","brand":"Lexie Astral Glamour","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":51181924057427,"sku":null,"price":316.5,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0959\/1776\/9043\/files\/lexie-astral-glamour-how-could-i-make-you-more-uncomfortable.webp?v=1766972864"},{"product_id":"florie-adda-interference-22","title":"Florie Adda : Interférence 22","description":"\u003ch2\u003eFlorie Adda\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003ePapier Hahnemühle Photo Rag 308g, 49x34x4 cm, Paysage, caisse américaine aluminium noire, année 2023.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eLa biographie de Florie Adda\u003c\/h3\u003e\n\u003cp style=\"text-align: left;\"\u003eArtiste pluridisciplinaire, Florie Adda explore les questions de la réalité et de la\u003cbr\u003esubjectivité par le biais de plusieurs médiums.\u003cbr\u003ePeinture, écriture, photographie ou vidéo sont pour iel des façons de travailler les\u003cbr\u003eliens ou les ruptures entre perception et réalité factuelle. L'architecture, les corps, lui\u003cbr\u003eservent de structure de base qu'iel vient abstractiser, remodeler, afin d'ouvrir de\u003cbr\u003enouvelles réalités poétiques et intemporelles.\u003c\/p\u003e\n\u003cp style=\"text-align: left;\"\u003e« Florie Adda aime à retoucher les paysages… et à casser les évidences. À partir de\u003cbr\u003ephotographies numériques, le rajout d’aspérités (le bruit des logiciels), de textures\u003cbr\u003eartificielles brouille la lecture trop immédiate et ouvre à une fiction esthétique aux\u003cbr\u003emultiple interprétations possibles. »\u003c\/p\u003e\n\u003cp style=\"text-align: left;\"\u003eGalerie Le lieu Multiple, Montpellier\u003c\/p\u003e\n\u003cp style=\"text-align: left;\"\u003e\u003cbr\u003e« Florie Adda propose un travail graphique qui se joue des codes de la perspective.\u003cbr\u003eDes photographies du cru, une fenêtre ouverte sur de nouveaux horizons artistiques,\u003cbr\u003eun paysage rompu de lignes abruptes. Point de dégradé ici, juste quelques aplats,\u003cbr\u003eet du grain, toujours. »\u003c\/p\u003e\n\u003cp style=\"text-align: left;\"\u003eGalerie Le Réservoir, Sète\u003c\/p\u003e","brand":"Florie Adda","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":51181927530835,"sku":"","price":316.5,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0959\/1776\/9043\/files\/florie-adda-interference-22-papier-hahnemuehle-photo-rag-45-sur-30-paysage-annee-2023-caisse-americaine-aluminium-noire.webp?v=1766972865"},{"product_id":"paul-gonzalez-hyper-sans-titre","title":"Paul Gonzalez-Hyper : \"Sans titre\"","description":"\u003ch2\u003ePaul Gonzalez-Hyper \u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e Technique : Risographie, unique, format : 41x30 cm, année 2025.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eLa biographie de Paul Gonzalez-Hyper\u003cbr\u003e\n\u003c\/h3\u003e\n\u003cp style=\"text-align: left;\"\u003ePaul Gonzalez-Hyper travaille une matière documentaire qu’il remet en scène par l’image, la performance et le texte. Jouant avec les registres, il questionne les discours d’autorité, leur fabrication, leurs expressions. Il se concentre sur des éléments quotidiens, des gestes, de la parole, des signes qu’il collecte et recompose pour les faire grincer et les tourner en dérision. Paul Gonzalez-Hyper a performé à LaFab (2022), pour les Olympiades Culturelles (2023), au DOC! (2024), au Théâtre des Expositions (2024) et au New Theater Hollywood (2024). Il a également organisé l’exposition Mon Salon de Montrouge (2022) et co-organisé avec Julia Liévoux l’exposition clandestine Cloackroom (2023) dans les casiers du Centre Pompidou.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e","brand":"Paul Gonzalez-Hyper","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":51181934051667,"sku":"","price":1002.25,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0959\/1776\/9043\/files\/Paul-Gonzalez-sans-titre-annee-2025-technique-risographie-unique-30-40.webp?v=1766972867"},{"product_id":"moun-bonnet-quand-un-sentiment-soudain-traversa-la-peau-de-son-corps","title":"Moun Bonnet : Quand un sentiment soudain traversa la peau de son corps","description":"\u003ch2\u003eMoun Bonnet\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eAssemblage d'objets, format 14x12x14, année 2025.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eLa biographie de Moun Bonnet \u003c\/h3\u003e\n\u003cp style=\"text-align: left;\"\u003eNée en 1999 à Toulouse, j’ai grandi à Portet-Sur-Garonne. Je vis et travaille\u003cbr\u003eactuellement entre Paris et d’autres villes françaises depuis l’obtention d’un\u003cbr\u003eDNSEP à l’ENSA de la Villa Arson en 2023. J’ai passé un semestre en Erasmus\u003cbr\u003edans le département d’art conceptuel et contextuel à l’Académie royale des\u003cbr\u003ebeaux-arts du Danemark, (Copenhague).\u003c\/p\u003e\n\u003cp style=\"text-align: left;\"\u003e\u003cbr\u003eDepuis 2020, j’ai initié plusieurs projets autour de la poésie au sens large et\u003cbr\u003edestinés à réunir des artistes et à créer des moments collectifs. J’ai été invitée à\u003cbr\u003elire et performer dans différents cadres.\u003c\/p\u003e\n\u003cp style=\"text-align: left;\"\u003e\u003cbr\u003eJ’ai réalisé deux résidences de création et transmission très marquantes qui\u003cbr\u003em’ont guidé vers une pratique de plus en plus relationnelle et destinée à la\u003cbr\u003etransmission d’une pensée et d’une pratique poétiques. Pour la première\u003cbr\u003erésidence, «Miette» (Rouvrir le monde), j’ai été accueillie pendant plus de\u003cbr\u003edeux semaines d’immersion dans la vie d’un Ehpad Niçois avec lequel nous\u003cbr\u003econtinuons de collaborer sur un projet à long terme et auquel j’ai fait don d’une\u003cbr\u003eœuvre in situ. Nous avons réalisé la deuxième résidence «Où vont les contes qui\u003cbr\u003es’échappent ?» (Création en cours) en binôme avec Carlota Sandoval Lizarralde\u003cbr\u003eautour des contes et des dynamiques interculturelles avec une classe de CM2 à\u003cbr\u003eLimoux, dans l’Aude.\u003c\/p\u003e","brand":"Moun Bonnet","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":51181941326163,"sku":"","price":754.33,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0959\/1776\/9043\/files\/theo-bonnet-quand-le-sentiment-soudain-traversa-la-peau-de-son-corps-2025-10x10x15.webp?v=1766972912"},{"product_id":"maxime-chkoulanov-36-hiboux-en-cage","title":"Maxime Chkoulanov : 36 hiboux en cage","description":"\u003ch2\u003eMaxime Chkoulanov\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eTechnique cadre en bois, plexiglas gravé et hiboux en verre,  32x32x4,5 cm, année 2025.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eLa biographie de Maxime Chkoulanov \u003c\/h3\u003e\n\u003cdiv dir=\"auto\" style=\"text-align: left;\"\u003eMaxime Chkoulanov est né en 2000. Il vit et travaille à Paris. Il a reçu son DNSEP à Nice à la Villa Arson en 2023. Passionné de bricolage, il a articulé ses constants petits gestes créatifs entre eux pour former un langage traitant des sujets qui le traversent.\u003c\/div\u003e\n\u003cdiv dir=\"auto\" style=\"text-align: left;\"\u003eIl aime la poésie d’une idée claire et la pénétration d’une blague affutée.\u003c\/div\u003e","brand":"Maxime Chkoulanov","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":51181962953043,"sku":"","price":844.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0959\/1776\/9043\/files\/maxime-chkoulanov-2025-36-hibous-en-cage-cadre-en-bois-plexiglas-grave-hiboux-en-verre-32x32x5.webp?v=1766972911"},{"product_id":"luc-texier-bang-2","title":"Luc Texier : Bang 2","description":"\u003ch2\u003eLuc Texier\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eAnnée 2024, technique : tampon, encre rouge, format : 53.5x43.5x3 cm \u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eLa biographie de Luc Texier\u003c\/h3\u003e\n\u003cp style=\"text-align: left;\"\u003ené à Nantes en 1968\u003c\/p\u003e\n\u003cp style=\"text-align: left;\"\u003e1997-1999: Ecole de la Photographie Arles\u003c\/p\u003e\n\u003cp style=\"text-align: left;\"\u003e2000-2005: Exposition collective Photographie et Vidéo dans la structure \u003cbr\u003e                        “L’Appartement” (Rencontres de la Photo Arles)\u003c\/p\u003e\n\u003cp style=\"text-align: left;\"\u003e2008: Exposition avec le soutien de la Drac Paca, Aide à la Création  à l’Espace Van Gogh Arles     \u003c\/p\u003e\n\u003cp style=\"text-align: left;\"\u003e2009-2015: Responsable festival de court-métrage,films expérimentaux et Art Vidéo\u003c\/p\u003e\n\u003cp style=\"text-align: left;\"\u003e2014-2017: Programmateur au Cinéma Actes-Sud Arles\u003c\/p\u003e\n\u003cp style=\"text-align: left;\"\u003e2017: Exposition à la Galerie Le Magasin de Jouet Arles\u003c\/p\u003e\n\u003cp style=\"text-align: left;\"\u003e2018: Artiste chez Galerie Cyrille Putman \u003cbr\u003e            Série “Sagaïkado”\u003c\/p\u003e\n\u003cp style=\"text-align: left;\"\u003e2019: Exposition à l’Eglise des Frères Prêcheurs Arles (mars\/avril)\u003cbr\u003e             “Série Figures”\u003c\/p\u003e\n\u003cp style=\"text-align: left;\"\u003e2020: Exposition en ligne Galerie Cyrille Putman\u003cbr\u003e            Performance Affichage\/collage “Onomatopée-Morse” Arles\u003c\/p\u003e\n\u003cp style=\"text-align: left;\"\u003e2021:  Ouverture  Atelier “Le Cabanon” à L’ Archipel (Espace d’Art)\u003cbr\u003e             Expositions collectives \u003cbr\u003e             “Série Homme-Ardoise”,”collage”\u003c\/p\u003e\n\u003cp style=\"text-align: left;\"\u003e2022:création du site luctexier.fr \u003cbr\u003e          Séries peinture :“Bird”,”Trees” et “Flytrap”\u003c\/p\u003e\n\u003cp style=\"text-align: left;\"\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003cp style=\"text-align: left;\"\u003e \u003c\/p\u003e","brand":"Luc Texier","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":51182021574995,"sku":"","price":791.25,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0959\/1776\/9043\/files\/luc-texier-2024-bang-2-tampon-encre-rouge-30x40.webp?v=1766972916"},{"product_id":"jeremy-blanes-le-chien-a-la-femme","title":"Jérémie Blanes : Le chien à la femme","description":"\u003ch2\u003eJérémie Blanes\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eMonotype, année 2015, format 16x21x1.5 cm.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eLa biographie de Jérémie Blanes\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eJérémie Blanes, artiste français né en 1975, explore les profondeurs de l'expérience humaine à travers une peinture gestuelle et expressive. Influencé par les mouvements de rue et les aspects bruts de l'existence, son travail artistique se présente comme un journal intime géant où se mêlent expérience personnelle et symboles mythologiques. Pour Blanes, l'art est un produit, un besoin et un miroir de la vie, où la peinture et le geste se fondent en un dialogue constant entre sa vie et la réalité sociale.\"\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eJe joins également un court texte qui pourrait vous être utile pour la présentation de mon travail :\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\"Mon approche artistique se nourrit de l'immédiateté et de l'émotion, utilisant la peinture comme langage naturel et proche de l'humain. Loin des académismes institutionnels, je trouve mon inspiration dans la vie elle-même, dans ses aspects les plus bruts et authentiques.\"\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eJe vous remercie pour l'organisation de l'exposition et je reste à votre disposition pour tout complément d'information.\u003c\/p\u003e","brand":"Jérémie Blanes","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":51182026391891,"sku":"","price":400.9,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0959\/1776\/9043\/files\/jeremi-blanes-le-chien-a-la-femme-monotype-2015.webp?v=1766972919"},{"product_id":"eloise-valli-coeur-fragile","title":"Eloise Valli : Cœur fragile","description":"\u003ch2\u003eEloise Valli \u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eAcrylique, feuille d'or, sable, huile, format 80 x1 20 x 2 cm, , année 2020.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eLa biographie de Eloise Valli\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eMon art consiste à travailler l'ombre et la lumière. \u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003ePour cela, J'utilise essentiellement de l'acrylique parfois mélangée à de la peinture à l'huile. je peins avec beaucoup de matériaux différents comme des éponges, des chiffons, de la feuille d'or, mon corps, des éléments de la nature comme des feuilles ou encore des copeaux de bois. \u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLa Sérendipité est un outil primordial lors de mes créations, c'est même une de mes philosophies de vie. Je l'utilise dans mon art, au quotidien. Cette notion de transformer le hasard en opportunité fait partie intégrante de mes créations. \u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eAccepter ses parts d'ombres pour mieux (s') éclairer.\u003c\/p\u003e","brand":"Eloise Valli","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":51182040777043,"sku":"","price":2637.5,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0959\/1776\/9043\/files\/eloise-valli-coeur-fragile-acrylique-feuille-d-or-sable-huile-format-annee-2020.webp?v=1766972919"},{"product_id":"arnaud-deschin-de-beir-la-voisine","title":"Arnaud Deschin de Beir : La Voisine Laetitia","description":"\u003ch2\u003eArnaud Deschin de Beir\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003ePeinture sur peinture, acrylique sur toile préexistante, format 30x30x1.5 cm, année 2025.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eLa biographie de Arnaud Deschin de Beir\u003c\/h3\u003e\n\u003cdiv class=\"\"\u003e\n\u003cp data-start=\"259\" data-end=\"656\" class=\"\"\u003eDepuis longtemps, je peins sur les œuvres des autres. Sans leur autorisation. Pas par provocation, mais par nécessité. Une envie irrépressible de peindre, un besoin de nouveaux supports. J’ai commencé avec les peintures d’artistes que j’avais exposés, souvent par colère, par règlement de comptes pictural. Comme un graffeur qui recouvre le tag d’un autre, je superpose, j’efface, je transforme.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-start=\"658\" data-end=\"1138\" class=\"\"\u003eJe travaille toujours sur des supports de récupération. Ça a commencé au lycée, quand je peignais sur tout ce qui me tombait sous la main. \u003cstrong data-start=\"797\" data-end=\"963\" class=\"\"\u003eÀ un moment, j’ai même peint sur mes anciens vêtements de galeriste – une manière de recouvrir l’uniforme, de réécrire ma propre histoire sur le costume du passé.\u003c\/strong\u003e Récemment, j’ai utilisé de l’encre de tatouage sur une toile de \u003cstrong data-start=\"1028\" data-end=\"1046\" class=\"\"\u003eFlorence Cohen\u003c\/strong\u003e, un coucher de soleil qu’elle avait peint avec sa mère en 2018. Quand je lui ai dit, elle en a pleuré.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-start=\"1140\" data-end=\"1457\" class=\"\"\u003e\u003cstrong data-start=\"1140\" data-end=\"1154\" class=\"\"\u003eLa Voisine\u003c\/strong\u003e s’inscrit dans cette démarche. C’était une toile laissée là par ma voisine, une peintre du dimanche qui m’a confié ses œuvres sans trop y penser. J’ai fait ce que je fais toujours : j’ai peint dessus, à mon idée. \u003cstrong data-start=\"1368\" data-end=\"1455\" class=\"\"\u003eQuatre cœurs coulés en plomb, un motif comme un tampon cerné, sur un fond bordeaux.\u003c\/strong\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-start=\"1459\" data-end=\"1646\" class=\"\"\u003ePourquoi peindre sur les œuvres des autres ? Je ne sais pas. Peut-être entre \u003cstrong data-start=\"1536\" data-end=\"1565\" class=\"\"\u003eDuchamp et l’art-thérapie\u003c\/strong\u003e. Un geste d’appropriation, de dialogue, de rupture. Un palimpseste d’émotions.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/div\u003e","brand":"Arnaud Deschin de Beir","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":51182058766675,"sku":"","price":211.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0959\/1776\/9043\/files\/arnaud-deschin-de-beir-la-voisine-peinture-sur-peinture-acrylique-sur-toile-preexistante-50-sur-50-annee-2023.webp?v=1766972920"},{"product_id":"charles-dreyfus-pechkoff-indice-pensable","title":"Charles Dreyfus Pechkoff : Indice pensable","description":"\u003ch2\u003eCharles Dreyfus Pechkoff  \u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e Charles Dreyfus Pechkoff, Indice Pensable (Gravure sur bronze, sculpture, année 2024).\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eLa biographie de Charles Dreyfus Pechkoff\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003e Charles Dreyfus Pechkoff est diplômé d’études avancées en Histoire de l’art. Il est aussi docteur en philosophie. Mais il est aussi un performer dans plus de vingt pays à travers le monde. Ensuite  Charles Dreyfus Pechkoff est un critique d’art depuis 1971, ainsi que le rédacteur en chef de Kanal magazine. De plus il est correspondant de la revue québécoise Inter Art Actuel.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eArtiste de la galerie Lara Vincy à Paris Historien de Fluxus, premier interview jamais réalisé de George Maciunas en 1974.Dans de nombreuses collections Fonds National d’Art Contemporain, Frac Franche Comté, Musée du temps (Besançon).\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eNombreuses publications: numéro spécial de la revue Doc(k)s 2021,Fluxus, L’avant-garde en mouvement, Presses du réel, 2012, Métaphonie, éd. Le Manuscrit, 2016... \u003c\/p\u003e","brand":"Charles Dreyfus Pechkoff","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":51200063242579,"sku":"","price":1055.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0959\/1776\/9043\/files\/charles-dreyfus-pechkoff-204-indice-ensable-gravure-sur-bronze.webp?v=1766972919"},{"product_id":"guillaume-barclay","title":"Guillaume Barclay : Quincy Jones","description":"\u003ch2\u003eGuillaume Barclay\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eFormat 50 X 70 cm encadrée, Edition de 3.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eLa biographie de Guillaume Barclay\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eCela fait maintenant plus de 20 ans que Guillaume Barclay utilise la Fibre Optique pour « mettre en lumière » Stars et anonymes. Ces portraits sont exposées dans les plus grandes galeries entre Nice, Monaco, Paris et Bruxelles et font partie de fonds internationaux d’art contemporain.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eLiza Minnelli, Gorges Benson, Al Jarreau, Pink, Charles Aznavour, Eddy Mitchell, Le Prince Albert II de Monaco côtoient anonymes ou rencontres d’un jour, avec toujours le même soucis de montrer les gens différemment de ce qu’ils sont !\u003cbr\u003e« La Fibre Optique me permet de donner une direction à la lumière. Je m’en sers comme d’un pinceau, pour révéler uniquement ce que je veux voir apparaître sur mon cliché final à la manière d’un sculpteur, » explique Guillaume Barclay. De fait, de ces portraits sortant du noir, on ne voit que l’essentiel : un regard, une émotion.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eGuillaume Barclay a également, parallèlement à son travail de photographe, créé plusieurs Galeries d’Art Ephémères à Monaco et bientôt à Paris. \u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp class=\"\"\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e","brand":"Guillaume Barclay","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":51200079069523,"sku":"","price":1899.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0959\/1776\/9043\/files\/guillaume-barclay-quincy-jones-50x70-encadree.webp?v=1766972920"},{"product_id":"wilfrid-rouff-rambarde-95-25","title":"Wilfrid Rouff : Rambarde 95-25","description":"\u003ch2\u003eWilfrid Rouff\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eTechnique : impression sous acrylique, année 2025, 60x60x3 cm.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eLa biographie de Wilfrid Rouff\u003c\/h3\u003e\n\u003cp class=\"MsoNormal\" style=\"margin: 0cm 0cm 5pt; font-size: medium; font-family: Cambria, serif;\"\u003e\u003cspan style=\"font-family: Calibri, sans-serif;\"\u003eLorsque WILFRID ROUFF parle de son travail, il dit qu’il “fait dans la photographie“. On pourrait dire plutôt que c’est un artiste qui use de la photographie, un “lens-based-artist“, dénomination qui ne trouve pas de véritable traduction française, et qui lui correspond plus que celle d’artiste visuel. Ce qui caractérise son travail c’est l’association d’images, le jeu de mot, le détournement d’idées, d’images et de mots.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp class=\"MsoNormal\" style=\"margin: 0cm 0cm 5pt; font-size: medium; font-family: Cambria, serif;\"\u003e\u003cspan style=\"font-family: Calibri, sans-serif;\"\u003eJeune, WILFRID ROUFF baigne, sans le savoir, dans le beau – la mode, le design, le jazz. Autodidacte de la photographie et de l’art, il fait ses classes dans les années 70 avec Oliviero Toscani, géant de la photo de mode, avec le Groupe Untel (Philippe Cazal, Jean-Paul Albinet et Alain Snyers) dont il est membre pendant quelques années, ainsi qu’avec Jean Dupuy qui devient son mentor.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp class=\"MsoNormal\" style=\"margin: 0cm 0cm 5pt; font-size: medium; font-family: Cambria, serif; text-align: justify;\"\u003e\u003cspan style=\"font-family: Calibri, sans-serif;\"\u003eTrès vite, il trouve sa place et expose ou fait des performances et des interventions autour de sa pratique photographique dans quelques-unes des galeries d’avant-garde marquantes de l’époque à Paris et New York entre autres (\u003ci\u003eLa Boutique Sentimentale\u003c\/i\u003e, \u003ci\u003eJ\u0026amp;J Donguy\u003c\/i\u003e, \u003ci\u003eLa Galerie Satellite, Marchand du Sel, White Columns,\u003c\/i\u003e \u003ci\u003eC-Space\u003c\/i\u003e). Plusieurs de ses œuvres font partie des collections de l’IAC Villeurbane, du Frac Franche Comté, et du Centre Pompidou. \u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp class=\"MsoNormal\" style=\"margin: 0cm -0.35pt 5pt 0cm; font-size: medium; font-family: Cambria, serif;\"\u003e\u003cspan style=\"font-family: Calibri, sans-serif;\"\u003eParallèlement, il photographie les plus belles femmes du monde pour le prestigieux \u003ci\u003eNew York Times Magazine\u003c\/i\u003e. A l’époque, il est l’un des premiers avec William Klein, à pénétrer backstage pour photographier les défilés de couture et de prêt-à-porter à Paris et New York. Lors de ses nombreux séjours outre Atlantique, il rencontre les artistes \u003ci\u003eFluxus\u003c\/i\u003e de la Galerie Emily Harvey.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp style=\"margin: 0cm -0.35pt 5pt 0cm; font-size: 10pt; font-family: Times;\"\u003e\u003cspan style=\"font-size: 12pt; font-family: Calibri, sans-serif;\"\u003eSon travail est montré dans le réseau des \u003ci\u003eInstituts français \u003c\/i\u003eoù il conduit aussi des ateliers— Lagos en 2002 ; en Indonésie en 2007 à l’occasion de l’\u003ci\u003eInternational Photo Summit de Djakarta ; \u003c\/i\u003eà Valencia en 2010.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp style=\"margin: 0cm -0.35pt 5pt 0cm; font-size: 10pt; font-family: Times;\"\u003e\u003cspan style=\"font-size: 12pt; font-family: Calibri, sans-serif;\"\u003eIl est longtemps membre de l’équipe pédagogique de \u003ci\u003eL’Ecole des Arts \u0026amp; Métiers de l’Image MI21\u003c\/i\u003e à Montreuil. Plus récemment, il donne des master class au \u003ci\u003eMassachusetts Institute of Technology\u003c\/i\u003e (MIT) à Boston, et à \u003ci\u003el’Ecole supérieure des Arts visuels\u003c\/i\u003e (ESAV) de Marrakech, au Maroc. \u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp style=\"margin: 0cm -0.35pt 5pt 0cm; font-size: 10pt; font-family: Times;\"\u003e\u003cspan style=\"font-size: 12pt; font-family: Calibri, sans-serif;\"\u003eWILFRID ROUFF \u003c\/span\u003e\u003cspan style=\"font-size: 12pt; font-family: Calibri, sans-serif;\"\u003econtribue de nombreuses années à la \u003ci\u003eRevue Doc(k)s\u003c\/i\u003e, une revue de poésie alternative créée par Julien Blaine et publiée en Corse. \u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp class=\"MsoNormal\" style=\"margin: 0cm 0cm 5pt; font-size: medium; font-family: Cambria, serif;\"\u003e\u003cspan style=\"font-family: Calibri, sans-serif;\"\u003eWILFRID ROUFF grandit à Montfermeil, Zurich et Paris. Depuis plus de vingt ans, il partage son temps entre Paris et le sud de la France. \u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp class=\"MsoNormal\" style=\"margin: 0cm; font-size: medium; font-family: Cambria, serif;\"\u003e\u003cspan style=\"font-family: Times;\"\u003e \u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e","brand":"Wilfrid Rouff","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":51200094896467,"sku":"","price":633.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0959\/1776\/9043\/files\/wilfrid-rouff-rambarde-95-25-technique-impression-sous-acrylique-annee-2025-60-x-60.webp?v=1766972922"},{"product_id":"milan-racamier-sans-titre","title":"Milan Racamier : \"sans titre\"","description":"\u003ch2\u003eMilan Racamier\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eAquarelle, format 21x29.7 cm, année 2025.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eLa biographie de Milan Racamier\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eNée en 1997 dans le Gard, j'ai grandi entre Vézénobres et Sète. J'ai tout d'abord suivi une formation dans la Biologie en réalisant un Master dans la Neuroscience. Je me suis ensuite consacré à la recherche médicale en faisant une formation à la faculté de médecine de la Sorbonne pour travailler durant 3 ans dans un centre de recherche clinique à l'Hôpital Bichat. Cela fait maintenant 9 mois que j'ai quitté mon travail pour me consacrer à plein temps à l'art. Je travaille dans l'ancien atelier artistique de mon père (artiste plasticien, Jean Racamier). Les thèmes de mes œuvres portent sur le mouvement, l'intime, la sensualité et ma dualité interne entre féminin et masculin.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e","brand":"Milan Racamier","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":51200126943571,"sku":"","price":105.5,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0959\/1776\/9043\/files\/milan-racamier-2025-sans-titre-aquarelle-21x29.webp?v=1766972923"},{"product_id":"pulse-030424","title":"Pulse : 030424","description":"\u003ch2\u003ePulse\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eAcrylique et marqueurs sur toile, format 40x40x3 cm, année 2024.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eLa biographie de Pulse\u003c\/h3\u003e\n\u003cdiv dir=\"auto\"\u003e\n\u003cp\u003eLe tag Pulse est apparu pour la première fois un soir d’hiver 1996. Face à la rapide prolifération, le pseudonyme trouvé à la hâte restera comme une seconde identité, un personnage à part entière. Co-fondateur du groupe de graffiti parisien XIT, son travail est visible aux yeux de tous depuis maintenant plus de 20ans. Et parallèlement à sa pratique sauvage et frénétique, il a plus récemment entamé un travail de recherche picturale sur toile. L’interprétation des gestes spontanés, de ses formes récurrentes et de la couleur en milieu urbain constituent le vocabulaire qu’il ramène à l’intimité de la toile dans une perspective de pérennité.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eDepuis 2021 Pulse décline donc sur toile et dans la rue un style qui évoque l’Abstraction Géométrique des années 70, faisant disparaître peu à peu le nom trop évident du graffiti au profit de formes \u0026amp; de couleurs à l’équilibre pur.\". \u003c\/p\u003e\n\u003cbr\u003e\n\u003c\/div\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e","brand":"Pulse","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":51200141361491,"sku":"","price":369.25,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0959\/1776\/9043\/files\/pulser-2024-030424-acrylique-et-marqueurs-sur-toile-40x40.webp?v=1766972923"},{"product_id":"jean-pierre-morand-blanc-rouge","title":"Jean-Pierre Morand : Blanc (rouge)","description":"\u003ch2\u003eJean-Pierre Morand \u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eAcrylique et résine sur monochrome blanc, format 40x30x2.5 cm.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eLa biographie de Jean-Pierre Morand \u003c\/h3\u003e\n\u003cp data-end=\"578\" data-start=\"278\"\u003eArtiste pluridisciplinaire formé à l’École nationale des beaux-arts de Dijon, Jean-Pierre Morand obtient en 1978 son DNSEP (Diplôme National Supérieur d’Expression Plastique). Dès ses débuts, il explore des territoires artistiques hybrides, croisant les pratiques visuelles, sonores et performatives.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-end=\"1074\" data-start=\"580\"\u003eEntre 1978 et 1982, il cofonde avec La Bouillot le groupe « La Bouillot – Le Morand », engagé dans la réalisation d’installations multimédia et de courts-métrages expérimentaux, dont \u003cstrong data-end=\"777\" data-start=\"763\"\u003e\u003cem data-end=\"775\" data-start=\"765\"\u003eBrigitte\u003c\/em\u003e\u003c\/strong\u003e (16 mm, 15’), \u003cstrong data-end=\"810\" data-start=\"792\"\u003e\u003cem data-end=\"808\" data-start=\"794\"\u003ePoint de vue\u003c\/em\u003e\u003c\/strong\u003e, d’après \u003cem data-end=\"828\" data-start=\"820\"\u003eLa vue\u003c\/em\u003e de Raymond Roussel (16 mm, 8’), ou encore \u003cstrong data-end=\"888\" data-start=\"871\"\u003e\u003cem data-end=\"886\" data-start=\"873\"\u003eElectrochoc\u003c\/em\u003e\u003c\/strong\u003e (super 8, 4’). Il signe également plusieurs scénographies pour des institutions reconnues, notamment le Théâtre du Palais de Chaillot à Paris ou le Centre d’Art Dramatique de Bourgogne.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-end=\"1290\" data-start=\"1076\"\u003eEn 1999, il cofonde avec Vincent Friot la marque artistique \u003cstrong data-end=\"1164\" data-start=\"1136\"\u003eDépressionnisme abstrait\u003c\/strong\u003e, positionnant son travail dans une tension constante entre critique sociale, engagement esthétique et introspection formelle.\u003c\/p\u003e\n\u003cp data-end=\"1599\" data-start=\"1292\"\u003eDe 2009 à 2014, il fonde et dirige \u003cstrong data-end=\"1344\" data-start=\"1327\"\u003eLe Carré Noir\u003c\/strong\u003e, espace d’art contemporain à Bonneval, dédié à l’expérimentation, à l’exposition et à la mise en réseau d’artistes. Ce lieu devient un laboratoire artistique actif avec de nombreuses expositions personnelles et collectives, performances et installations.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e","brand":"Jean-Pierre Morand","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":51200163676499,"sku":"","price":1266.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0959\/1776\/9043\/files\/jean-pierre-morand-blanc-acrylique-et-resine-sur-monochrome-blanc-1.webp?v=1766972923"},{"product_id":"philippe-meier-vibrations","title":"Philippe Meier : Vibrations","description":"\u003ch2\u003ePhilippe Meier\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eEncre de chine point par point, format 80x60x2, année 2020.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eLa biographie de Philippe Meier\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eDiplômé de l’école nationale supérieure des Beaux-arts, architecte DNSBA,\u003cbr\u003ePhilippe Meier est un artiste pointilliste. Il prolonge ses rêves au travers de ses oeuvres combinant « une expression figurative et des thèmes surréalistes ». La technique qu’il utilise pour réaliser ses dessins permet l’utilisation de contrastes détaillés en variation d’ombres et de lumières, l’étude des matières, le rendu des vibrations et des reflets.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e","brand":"Philippe Meier","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":51200225313107,"sku":"","price":7912.5,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0959\/1776\/9043\/files\/philippe-meier-2020-vibrations-encre-de-chine-point-par-point-50x70.webp?v=1766972927"},{"product_id":"zokay-oner-scriptura","title":"Zokay Oner : Aura Scriptura","description":"\u003ch2\u003eZokay Oner \u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eEncre et acrylique sur toile, année 2025\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eLa biographie de Zokay Oner\u003c\/h3\u003e\n\u003cdiv\u003e\n\u003cp\u003eZokay Oner est un artiste visuel français dont l’univers s’articule autour de l’art de la lettre, à la croisée du graffiti et de la calligraphie contemporaine. Issu de la culture urbaine, il ancre sa pratique dans un héritage underground, tout en explorant les possibilités esthétiques et symboliques du geste calligraphique.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eSon travail est une quête introspective, une recherche constante de l’équilibre entre chaos et rigueur, entre spontanéité brute et composition maîtrisée. Influencé par le hip-hop, le jazz et les textes engagés, Zokay traduit en formes et en rythmes visuels ce que les mots éveillent en lui : une vibration poétique et une énergie pulsée, presque musicale.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eChaque œuvre devient un espace de dialogue entre le visible et l'invisible. Il y mêle textures urbaines, structures typographiques et dynamiques circulaires pour créer des pièces immersives qui parlent autant à l’œil qu’à l’âme. Zokay ne cherche pas à imposer un sens, mais à offrir une expérience, un terrain d’interprétation libre où chacun peut projeter ses propres émotions.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eSon engagement artistique s’exprime aussi dans la volonté de créer un lien avec le spectateur, de le faire participer à la narration, de l'inviter à lire entre les lignes et à ressentir au-delà des formes.\u003c\/p\u003e\n\u003c\/div\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e","brand":"Zokay Oner","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":51200247136595,"sku":"","price":474.75,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0959\/1776\/9043\/files\/zokay-oner-2025-aura-scriptura-encre-et-acrylique-sur-toile.webp?v=1766972928"},{"product_id":"shay-mess-butterfly-effect","title":"Shay Mess : Butterfly Effect","description":"\u003ch2\u003eShay Mess\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e Acrylic sur toile, 55x65x4.5 cm.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eLa biographie de Shay Mess\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003eShay Mess explore profondément le lien entre le figuré (le corps) et son expression (l’âme). À travers des aplats de couleurs, des variations d’intensité du trait et un travail minutieux sur les regards, elle révèle la poésie intrinsèque de ses sujets. \u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eElle cherche à capturer la beauté de l’âme humaine et de la nature dans toute leur splendeur : la force, la résilience, la candeur et les moments de calme après les tempêtes. Ses œuvres sont une célébration de l’âme et de l’expérience humaine, dévoilant sa complexité, sa profondeur et sa capacité infinie à renaître.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"Shay Mess","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":51200286523731,"sku":"","price":1002.25,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0959\/1776\/9043\/files\/shay-mess-butterfly-effect-acrylic-sur-toile-46x55.webp?v=1766972929"},{"product_id":"sivan-l-rubinstein-electric-vibrations","title":"Sivan L. Rubinstein : Electric Vibrations","description":"\u003ch2\u003eSivan L. Rubinstein\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eTechnique mixte sur papier, format 30x40 œuvre encadrée, 2024.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eLa biographie de Sivan L.Rubinstein\u003c\/h3\u003e\n\u003cp style=\"text-align: left;\"\u003eDepuis quelques années, son travail s’articule autour des supports de l’image et du son. A l’heure du numérique, et en tant que peintre, elle s’interroge sur l’avenir de la peinture en confrontant ces deux domaines. Elle pratique une peinture figurative à la manière d’une archéologue : elle glane des indices, des morceaux de mémoire pour composer un album de souvenirs distanciés, un tableau incertain qui renvoie autant à l’Histoire qu’aux petites histoires.\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp style=\"text-align: left;\"\u003eAinsi, son projet regroupe des peintures, des dessins et des images numériques faisant référence au monde musical et à ses supports : des reproductions de pochettes de disques. Cette collection d’images peintes sur des planches de bois forme donc une sorte de rétrospective qui évoque l’évolution du support musical. Sivan L. Rubinstein rappelle ainsi que chaque appareil de diffusion de l’image et du son, mais aussi chaque support sonore correspondant, devient le symbole d’une époque. Du 45 tours de « Allez les Verts » au 33 tours des Beastie Boys à la Cassette de NTM, la reproduction de ces objets a la capacité de réveiller une sorte de mémoire collective. Ainsi chaque album renferme en lui un capital énergétique. Cette force en gestation est lisible de façon assez littérale par la représentation de simples piles alcalines.\u003cbr\u003eA l’heure du téléchargement illégal de mp3, son travail est aussi une réflexion sur la relation entre original, reproductions et copies.\u003c\/p\u003e\n\u003cp style=\"text-align: left;\"\u003e\u003cbr\u003eDans certains de ses travaux, Sivan se positionne comme un musicien de musique électronique. En effet, elle va puiser des visuels comme un musicien échantillonne des sons, va les triturer graphiquement, comme un DJ transforme ses différents échantillons, et va les mixer pour aboutir à une peinture. L’artiste emploie un grand nombre de techniques de reproduction, manuelles ou assistées par ordinateur, pour collecter ses visuels. Les images sont ensuite retravaillées à la main et à la peinture directement appliquée sur bois.\u003c\/p\u003e\n\u003cp style=\"text-align: left;\"\u003e\u003cbr\u003eA la toile vierge, elle préfère des matériaux de récupération. Planches abandonnées, caisses, bacs, étagères, hors d’usage ou démodés, sont à ses yeux des supports beaucoup plus riches puisqu’ils sont déjà marqués. Leurs défauts et leurs imperfections, preuves du temps qui passe, font que ces objets ont une histoire, une profondeur qui amplifie cette idée de collections référencées et rattachées à une époque bien précise. cassettes, pochettes de vinyles, C.D, ipod ou T.S.F. retrouvent un usage comme vocabulaire pictural. Supports, surfaces, figures, motifs, cadres et couleurs sont superposés, mixés, re-mixés dans un recyclage poétique sans fin.\u003c\/p\u003e\n\u003cp style=\"text-align: left;\"\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp style=\"text-align: left;\"\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003cp style=\"text-align: left;\"\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e","brand":"Sivan L. 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Du 45 tours de « Allez les Verts » au 33 tours des Beastie Boys à la Cassette de NTM, la reproduction de ces objets a la capacité de réveiller une sorte de mémoire collective. Ainsi chaque album renferme en lui un capital énergétique. Cette force en gestation est lisible de façon assez littérale par la représentation de simples piles alcalines.\u003cbr\u003eA l’heure du téléchargement illégal de mp3, son travail est aussi une réflexion sur la relation entre original, reproductions et copies.\u003c\/p\u003e\n\u003cp style=\"text-align: left;\"\u003e\u003cbr\u003eDans certains de ses travaux, Sivan se positionne comme un musicien de musique électronique. En effet, elle va puiser des visuels comme un musicien échantillonne des sons, va les triturer graphiquement, comme un DJ transforme ses différents échantillons, et va les mixer pour aboutir à une peinture. L’artiste emploie un grand nombre de techniques de reproduction, manuelles ou assistées par ordinateur, pour collecter ses visuels. Les images sont ensuite retravaillées à la main et à la peinture directement appliquée sur bois.\u003c\/p\u003e\n\u003cp style=\"text-align: left;\"\u003eA la toile vierge, elle préfère des matériaux de récupération. Planches abandonnées, caisses, bacs, étagères, hors d’usage ou démodés, sont à ses yeux des supports beaucoup plus riches puisqu’ils sont déjà marqués. Leurs défauts et leurs imperfections, preuves du temps qui passe, font que ces objets ont une histoire, une profondeur qui amplifie cette idée de collections référencées et rattachées à une époque bien précise. cassettes, pochettes de vinyles, C.D, ipod ou T.S.F. retrouvent un usage comme vocabulaire pictural. Supports, surfaces, figures, motifs, cadres et couleurs sont superposés, mixés, re-mixés dans un recyclage poétique sans fin.\u003c\/p\u003e\n\u003cp style=\"text-align: left;\"\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e\n\u003cp style=\"text-align: left;\"\u003e \u003c\/p\u003e","brand":"Sivan L. Rubinstein","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":51200335774035,"sku":null,"price":960.05,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0959\/1776\/9043\/files\/sivan-l-rubinstein-chords-technique-mixte-sur-papier-30-40-oeuvre-encadree.webp?v=1766972932"},{"product_id":"dana-york-les-livres-in-blues","title":"Dana York : Les livres in Blues","description":"\u003ch2\u003eDana York\u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eFormat 54x37x0.5 cm, technique acrylique sur verre, feuille d’or, encre, peinture inversée, année 2025.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eLa biographie de Dana York\u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003e« Au cœur de la famille York, la peinture est une affaire d’ADN. Dana ne pouvait déroger à la tradition familiale. Pinceaux en main, et rêves en tête, elle emprunte ce chemin sinueux mais si précieux de l’expression artistique sous toutes ses formes. Du piano à la peinture, de la science à la recherche, pour Dana, il n’y a qu’un pas à franchir, une note à jouer… C’est en étudiant l’histoire ancestrale que tout prend forme. Le processus créatif insatiable de Dana est porté par une illumination où calligraphie et poésie se mêlent pour confirmer la plus belle des promesses. »\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e« Envoûtée par cet art traditionnel issu de l’école de peinture du XVIIe siècle, l’artiste observe et analyse les formes, les volumes, les matières et les techniques. Elle opte pour l’art de la peinture inversée et choisit de s’exprimer sur des panneaux de verre ou sur du verre cristal synthétique de qualité muséale. Et peu importe la rigueur de cette technique : elle en fait l’une des expressions artistiques les plus puissantes ! Si certains voient dans le travail de Dana York une relecture inspirée de l’école vénitienne, d’autres sont touchés par son interprétation des Ketoubas, richement ornées de dorures, d’écritures et d’images symboliques.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003eEn 2014… elle quitte alors ce New York qui l’a vue grandir, pour le soleil de la Côte d’Azur. Elle y invite les bleus pastel, les tons métalliques, le vert émeraude ou le jaune éclatant. Le bonheur est une source d’inspiration pour l’artiste new-yorkaise. Si les œuvres de Dana York placent le sentiment et l’émotion au cœur même de la création, presque avant la technique, on retrouve dans son travail un mélange étonnant et audacieux de tradition et de modernité ! Un nouvel art moderne qui inspire l’Amour, la Tolérance et la Paix. »\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e\u003cbr\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"Dana York","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":51200714834259,"sku":"","price":2110.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0959\/1776\/9043\/files\/dana-york-2025-acrilique-sur-verre-feuille-d-or-peinture-inversee-50x50.webp?v=1766972935"},{"product_id":"d2air-derive-urbaine","title":"D2air : Dérive urbaine","description":"\u003ch2\u003eD2air \u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003eLe monogramme de David Air, année 2022, format 42x42x2 cm. \u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eLa biographie de D2air \u003c\/h3\u003e\n\u003cp\u003e\u003cspan class=\"_ap3a _aaco _aacu _aacx _aad7 _aade\" dir=\"auto\"\u003eDans une dérive urbaine, David Air effectue des marquages psychogéographiques afin d'incarner dans le monde sa libre représentation psychique de celui-ci.\u003c\/span\u003e\u003c\/p\u003e","brand":"d2air","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":51201977745747,"sku":"","price":105.5,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0959\/1776\/9043\/files\/d2air_203e9858-bcf2-41b7-851d-90f96d08d5d2.webp?v=1766972934"},{"product_id":"lyonel-kouro-cosmic-butterfly","title":"Lyonel Kouro : Cosmic  Butterfly","description":"\u003ch2\u003eLyonel Kouro \u003c\/h2\u003e\n\u003cp\u003e Tirage 1\/10, dessin crayons de couleurs, format 42.5 x 52.5 cm.\u003c\/p\u003e\n\u003ch3\u003eLa biographie de Lyonel Kouro\u003c\/h3\u003e\n\u003cp style=\"text-align: left;\"\u003e\u003cbr\u003eAUTEUR \/ Explorateur de CONCEPTS \/ RÉALISATEUR\u003c\/p\u003e\n\u003cp style=\"text-align: left;\"\u003eLyonel Kouro, Artiste singulier, parallèlement à une recherche sur la matière, principalement la Pâte à modeler en technique d'animation filmée et sculptures, mais aussi peinture, oriente son travail depuis quelques années vers une direction plus virtuelle grâce à l'utilisation de logiciels d'image de synthèse. Il effectue aussi une recherche sur des travaux plus brut, animation de sable, peinture, encres et scratchs sur pellicules, pixilation etc. Il a réalisé aussi plusieurs sculptures monumentales, dont une pour la ville de Paris. Il travaille entre Paris et Nice.\u003c\/p\u003e\n\u003cp style=\"text-align: left;\"\u003eSérie diffusée sur ARTE dans Court-circuit : La leçon du Professeur Kouro. Trois DVD sont disponibles : La leçon du Professeur Kouro( arte \/ Les FAELL Canal plus \/\u003cbr\u003eKamasutra en Patamod (Arte Éditions).\u003c\/p\u003e\n\u003cp style=\"text-align: left;\"\u003eDeux livres viennent d’être édité Les TAS c’est moi (Edition Nunc) et Les TAS de Kouro (Editions La lucarne de l’écrivain). Un travail très contemporain. Ready made de sculptures photographiques et poétiques.\u003c\/p\u003e\n\u003cp style=\"text-align: left;\"\u003eActuellement sa recherche a évolué sur un autre terrain artistique, la création de Vortex psychédéliques dessinés aux crayons de couleur ainsi que des travaux en peinture à l’huile numérisée, ainsi qu’une recherche sonore cosmique improvisée.\u003c\/p\u003e\n\u003cp\u003e \u003c\/p\u003e","brand":"Lyonel Kouro","offers":[{"title":"Default Title","offer_id":51217171120467,"sku":null,"price":422.0,"currency_code":"EUR","in_stock":true}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0959\/1776\/9043\/files\/lyonel-kouro-titre-cosmic-butterfly-tirage-1-sur-10-dessin-crayons-de-couleurs-32-45.webp?v=1766972937"}],"thumbnail_url":"\/\/cdn.shopify.com\/s\/files\/1\/0959\/1776\/9043\/collections\/jean-pierre-morand-blanc-acrylique-et-resine-sur-monochrome-blanc-1k7hTJA2zsWIcgR_ZyN955ifaJnDIIISN_cff36389-0af2-40be-9d40-0d76c46614fc.webp?v=1780599251","url":"https:\/\/shop.artdispatch.art\/collections\/oeuvres-art-contemporain.oembed?page=7","provider":"Art Dispatch Paris","version":"1.0","type":"link"}